Chris Ofili @ Tate Britain

Pour ou contre la bouse d’éléphant ? Chris Ofili est pour. Les excréments envahissent les toiles et leur servent de support. Collage, peinture, glitter, épingles, l’artiste mélange les techniques comme les références. Ses compositions riches en couleurs s’articulent autour de l’histoire de l’art, la culture afro, la religion, le sexe, ou encore des mythes contemporains. Ce mélange d’influences produit des toiles délicieusement acidulées. Du choc des couleurs et des textures émane une véritable énergie. La troisième salle consiste en The Upper Room. C’est un caisson en bois, conçu par l’architecte David Adjaye, abritant une série de treize tableaux produits entre 1999 et 2002. Chacun représente un singe tenant un calice, traité en quasi monochrome. Les singes sont tournés vers une divinité accrochée au fond de la salle. L’espace confiné, l’éclairage et la disposition des tableaux créent une ambiance presque mystique. L’architecture fonctionne vraiment en harmonie avec les œuvres exposées. Les oeuvres plus récentes, peintes depuis l’installation de Chris Ofili à Trinidad en 2005, révèlent un tournant esthétique. L’artiste n’utilise plus la bouse d’éléphant, ni de glitter, ni de collages. Il peint en grand format de voluptueux corps aux membres étirés comme avec Confession (Lady Chancelor) (2007). Il juxtapose de larges aplats de couleurs pour composer des tableaux à la sensualité évidente. L’exposition de la Tate présente une œuvre riche, en constante évolution. Jusqu’au 16 mai.

Elephant dung has pros and cons. Chris Ofili goes for it. Dungs appear on the canvas, they even support them. The artist mixes the techniques and the references. His utterly colorful paintings use glitter, collages, dungs and pins, so as to reveal various influences from religion to afro culture. By mixing colours and textures, the artist creates a very dynamic work. The third room is called The Upper Room. The architect David Adjaye has designed a wooden box to display a series of thirteen paintings produced between 1999 and 2002. Each one depicts a monkey holding a chalice, painted in a quasi monochrome style, and is facing a god-like canvas, hung on the backwall. The display, the light, and the enclosed environment create a mystical atmosphere. This Upper Room enhances admirably the paintings. The most recent works show a new turn in Chris Ofili’s art. The artist moved to Trinidad in 2005. There is no more elephant dung, either glitter, nor collages. On large scale canvas, the artist paints voluptuous figures with elongated body parts, like in Confession (Lady Chancelor) (2007). These works evoke a richly sensous spirit. Tate present a beautiful show, of a work getting more and more interesting. Until may 16th.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/chrisofili/default.shtm

Altermodern, Tate Britain

The Tate Triennal shows the works of 28 artists. Nicolas Bourriaud, the curator, explains that Altermodern comes after postmodern. We live in a globalised society. Altermodern depicts a world of communication and mobility. Sunday, 2 o’clock. Two volunteers played giant accordian, thanks to Ruth Ewan. The British artist selected a playlist of political and idealistic songs to be played during the show. It is weird, but it works. Then, I was amazed by Franz Ackermann’s room. The German’s bright coloured installation is vibrant. You have to move inside of the room, between paintings and real objects, it’s kind of pleasant. Walead Beshty aimed to sculpt a transatlantic flight. The British sent glass boxes from the US to the UK via FedEx. Obviously, the cubes are damaged when they arrive in the gallery. The fractures show the journey from one country to another. They depicts space that is not on the map. The French Loris Gréaud has recored his cerebral activity on a computer, when he was thinking about a former work, Cellar Door. These brainwaves have been changed in electrical signals, which are transmited to the visitors by vibrators on the floor of the gallery. It is a kind of Sci-Fi experience, reminding that art can be really thought sometimes.

Version française. La triennale de la Tate présente les œuvres de 28 artistes. Nicolas Bourriaud, le curateur, explique comment Altermodern vient après le postmoderne. Nous vivons dans une société globalisée. Altermodern reflète un monde de communication et de mobilité. Dimanche, 14 heures. Deux volontaires jouent d’un accordéon géant, grâce à Ruth Ewan. L’artiste britannique a choisi une liste de chansons politiques et idéalistes pour être jouées pendant l’exposition. C’est bizarre, mais ça fonctionne. Ensuite, j’ai été séduit par la salle consacrée à l’Allemand Franz Ackermann. Son installation, riche en couleurs, est étonnante. Il faut se déplacer dans la pièce, entre les peintures et les objets réels, et c’est assez plaisant. Le Britannique Walead Beshty est parvenu à sculpter un vol transatlantique. I a envoyé des boîtes en verre depuis les USA vers le Royaume Uni via FedEx. Evidemment, les cubes sont endommagés en arrivant à la galerie. Les fissures montrent le voyage d’un pays à l’autre. Elles représentent un espace qui n’est pas sur la carte. Le Français Loris Gréaud a enregistré son activité cérébrale sur un ordinateur, alors qu’il pensait à une ancienne œuvre, Cellar Door. Ces ondes ont été traduites en signaux électriques, qui sont transmis aux visiteurs par des vibrateurs sur le sol de la galerie. C’est une expérience assez étrange, qui rappelle que parfois, l’art peut être vraiment réfléchi.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/altermodern/

Francis Bacon, Tate Britain

Amazing. The display show each aspect of the work. Wildness of the human figure, body distorsions, distresness and death. The portraits of George Dyer are fascinating. You can feel the intimacy between the painter and his model. Distorted body, melted flesh. The feeling is so accurate that you can feel it in your own body. Bacon shows the human figure on its own. Man in blue’s strange gloom, caged Pope Innocent X’s terror, Christ’s melting flesh, this is your body. In a world without God, there is no heaven, the corpse rots. The artist’s hopelessness is a sublime nightmare. Bacon paints beyond the figure. His pencil goes behind the appearance. It digs the soul to show it on the canvas, both deep and mysterious. Radical in his life as in his work, this exhibition is a tribute to a real master.

Version française. Sublime. L’accrochage thématique met en relief les différents aspects de l’œuvre. L’animalité de la figure humaine, la distorsion des corps, l’angoisse et la mort. Les portraits de Georges Dyer sont poignants. On ressent la proximité et l’intimité entre le peintre et son modèle. Le corps est distordu, la chair fondue. L’impression est si vive que le spectateur sent ces mutations dans son être. C’est le corps du sujet livré à lui-même qui est sur la toile. L’inquiétante mélancolie de l’homme en bleu, la terreur du pape Innocent X emprisonné, la chair déliquescente du Christ, c’est ton corps qui est là. Dans un monde sans Dieu, pas de paradis, la chair pourrit. La désolation du peintre est un cauchemar sublime. Bacon peint au-delà de la figure. Son pinceau va derrière la chair sonder l’esprit. Il creuse l’âme pour la rendre sur la toile, abyssale et mystérieuse. Radical dans sa vie comme dans son art, cette rétrospective rend hommage à un grand peintre.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/francisbacon/