Gauguin, Maker of Myth, Tate Modern

Borrowing to his Impressionist friends, Gauguin creates amazing paintings by mixing coloured touches. Between dream and earthly pleasures, they taste like paradise. The curators chose a thematic display: Sacred Themes, Fictions of Feminity, Taler of Tales,… aiming to show Gauguin as a Maker of Myth. He definitely is. I have been amazed by his Tahitian paintings, I embarked with the painter upon his journey, and it was difficult for me to leave the gallery. I am reading the catalogue whilst writing this post, and I would like to see these landscapes again, go back to 1890s Tahiti and look at these beautiful women surrounded by enchanted landscapes. Pink clouds, lilac mountains, quasi abstract water treatment, everything is absolutely beautiful. For sure, I shall soon go back to Tate to look at it again. Until January 16th 2011.

Empruntant à ses amis Impressionistes, par juxtaposition de touches colorées, Gauguin crée des oeuvres sublimes. Entre rêve et plaisirs terrestres, ses tableaux ont un goût de paradis. L’exposition a un accrochage thématique: Thèmes Sacrés, Fictions de Féminité, Raconteur d’Histoires… en vue de démontrer un Gaugin Faiseur de Myhte. Il l’est. J’ai été enchanté par sa période tahitienne, Gauguin m’a entrainé avec lui dans ses voyages, et il fut difficile pour moi de quitter l’expo. J’ai beau reparcourir le catalogue en rédigeant ces lignes, j’ai envie de revoir ces paysages, retourner au Tahiti de 1892, caresser du regard ces beautés lascives dans des décors incroyables. Nuages roses, montagnes lilas, traitement de l’eau quasi abstrait, tout est absolument beau. Je sais que je retournerai bientôt à la Tate pour contempler encore ces sublimes images. Je ne peux que citer Baudelaire, Harmonie du Soir:

Voici venir les temps où vibrant sur sa tige
Chaque fleur s'évapore ainsi qu'un encensoir;
Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir;
Valse mélancolique et langoureux vertige!

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/gauguin/default.shtm

Nina Chanel Abney, Fred

Fred is showing paintings by the artist Nina Chanel Abney. With her simple and colorful touch, she depicts massacres, which are both cheerful and aroused. The brush strokes are almost invisible, making the cartoon like paint very flat. Men, women, bears, dogs, white and black skins: genders and races are melting to create aggressive hybrid species, which enjoy slaughter each other. Violent but still funny threatening jaws, ripped body parts and other blood puddles are mixing in a weird orgy. Until June 20^th.

Fred présente des tableaux de Nina Chanel Abney. De joyeux massacres orgiaques mis en scène dans une esthétique franche et colorée. La touche est lisse et plate, comme une illustration. Hommes, femmes, chiens, ours, peaux noires et blanches, genres et races se mélangent pour donner naissance à d’agressives créatures hybrides qui n’en finissent pas de s’écharper. Mâchoires menaçantes, membres arrachés, corps sanguinolants s’entremêlent dans des attitudes plus ou moins suggestives. Jusqu’au 20 juin.

http://www.fred-london.com/index.php?mode=exhibitions&id=67

Cerith Wyn Evans, White Cube Mason's Yard

White Cube is hosting a show of Cerith Wyn Evans’ works, entitled “Everyone’s gone to the movie, now we’re alone at last”. On the ground floor, the space is filled with an installation made of mobile circular mirrors and speakers. Actually, the sound is more eerie than the visual structure. The soundtrack blares a mix of various records, from music to noise, creating a loud and irritating symphony. In the basement there are seven big columns built of light bulbs, linking the floor to the ceiling. They light on and off on a slow pace, like breathing, though the viewer cannot breathe. The lamps generate such heat that the air is unbreathable and one doesn’t feel comfortable. Both works, though very different, act in the same way, they create a physical and phenomenological experience for the viewer. One cannot escape noise either heat but if one leaves the gallery: there is no alternative. It's radical and breathtaking. The artist shows as well a light sculpture and a few works on paper. Until May 22nd.

White Cube présente une exposition de l’artiste Cerith Wyn Evans, intitulée “Everyone’s gone to the movie, now we’re alone at last”. Au rez de chaussée, une installation de miroirs circulaires mobiles et de hauts parleurs occupe toute la galerie. Le son est plus désorientant que le visuel. La bande sonore diffuse un mélange de divers enregistrements, bruitages et musique créant une symphonie aggressive et irritante. Au sous sol, la galerie acceuille sept colonnes constituées de lampes, allant du sol au plafond. Les colonnes s’éclairent puis s’éteignent sur un rythme lent, comme une respiration. Mais le spectateur, lui, ne peut pas respirer. La chaleur générée par les lampes est étouffante, et le corps cherche à échapper de cette salle. Ces deux installations ont un impact physique, phénoménologique sur le spectateur. Le bruit comme la chaleur sont inévitables. Ces oeuvres s’imposent: il n’y a pas d’alternative pour le spectateur sinon de quitter la galerie. À couper le souffle. L’artiste présente aussi une sculpture en néons et quelques oeuvres sur papier. Jusqu’au 22 mai.

http://www.whitecube.com/exhibitions/wyn%20evans/

Jean-Luc Mylayne, Sprüth Magers

Sprüth Magers is hosting an exhibition of photographs by Jean-Luc Mylayne. This series focuses on Bluebirds, a rare species found in North America. These birds are famous for their bright colours. The artists installs his equipment, and waits for the bird to get used to it. It can takes up to several months before they behave normally, hence the photographs can be taken. Some of the pictures are blurred, or unfocused, reavealing the long wait and doubtfulness due to the photographic process. The time and energy involved in the project become, for the viewer, the simple joy of looking at nature. These photographs are simply beautiful. The artist records an unique instant with his camera. Until may 29th.

Sprüth Magers accueille une exposition de photographies par Jean-Luc Mylayne. L’artiste s’intéresse aux Merlebleus, une rare espèce d’oiseaux d’Amérique du Nord, fameux pour leurs couleurs. L’artiste installe son matériel et attend que les oiseaux soient habitués à lui, jusqu’à plusieurs mois, avant de pouvoir les photographier. Ces clichés, réalisés au Texas, parfois flous ou mal cadrés, révèlent la durée du processus photographique. L’attente se trouve ainsi résumée et récompensée en quelques millisecondes, le temps d’un déclic. Les moyens, le temps, et l’énergie investis dans le projet concourent pour le spectateur, au bonheur simple de la contemplation naturelle. Des clichés simplement beaux, sans artifice, et la sensation d’assister à un instant unique. Jusqu’au 29 mai.

http://www.spruethmagers.com/exhibitions/260

Céleste Boursier-Mougenot, Curve, Barbican

Céleste Boursier-Mougenot transforms the Curve into an aviary at Barbican. This is a total immersion for the viewer. First, video projections showing guitars from the floor to the ceiling. However, the sound played is the record of the video signal which generates the images, not the music produced by the instruments : silent guitars are replaced by a non-music. Then, radical change of set. The aviary looks like a beach hut. Inside, Zebra Finches, from Australia are flying freely. They wing their way between their nests, guitars as perchs and cymbals as feeders. Standing on the guitars cords, the birds play a random music which is transmitted by the speakers surrounding the space. The Zebra Finches sing, however, their whistle is covered by the electric signal they play randomly. The artist muddles visual and audio fields in a captivating experience. Until may 23rd.

Céleste Boursier-Mougenot installe une volière dans l’espace Curve du centre Barbican. L’artiste propose au spectateur une immersion totale. D’abord, des projections vidéos de guitares du sol au plafond. Le bruit diffusé n’est pas celui des instruments, mais celui du signal vidéo qui génère ces images. Les instruments sont silencieux, et remplacés par une non musique. Puis, changement de décor, nous arrivons dans la volière aux allures de cabane sur la plage. Les oiseaux, des Diamants Mandarins originaires d’Australie, volent librement entre leurs nids, des guitares électriques en guise de perchoirs, et des cymbales en lieu de mangeoires. Reliés à des amplificateurs, les instruments répondent au jeu des oiseaux sur leurs cordes. Si les Diamants Mandarins chantent, leur sifflement est court-circuité par les sonorités électroniques qu’ils jouent de manière aléatoire. Encore une fois, l’artiste crée un décalage entre les champs visuels et sonores. Une expérience étonnante. Jusqu’au 23 mai.

http://www.barbican.org.uk/thecurve/blog/index.html

Conrad Botes: House of Judas, Fred

The south african artist Conrad Botes creates works mixing sexuality, race and violence. In his paintings and drawings, hybrid creatures, between man and monster, are killing each other in utterly creative ways. The artist evokes the story of his country through these colorful and dynamic works. Politically incorrect and happily dreadful. Until april 30th.

L’artiste sud africain Conrad Botes crée une œuvre mêlant sexualité, race et violence. Ses peintures et dessins montrent des créatures mi homme mi démon, s’entretuant avec une créativité certaine. À travers ses compositions dynamiques et colorées, l’artiste évoque l’histoire de son pays sans se soucier du politiquement correct. Joyeusement effrayant. Jusqu’au 30 avril.

http://www.fred-london.com/index.php?mode=exhibitions&id=66

Marko Mäetamm: Love, Fear and Warning Signs, Nettie Horn Gallery

With humour and auto-derision, Marko Mäetamm invites the viewer into his world. This exhibition gather drawings, sculptures, video projections and photographs. Evoking both his family and everyday life, the artist depicts his own story through unconventional and farcical scenes. Playing with self involvement and ludicrousness, he creates works both aesthetically simple and straightforward. The Little Drama sculpture series is a brilliant example : little toys are comitting suicide in various way, traped in plastic cages hanging from the ceiling. The Funny Dreams series depicts family photographs which are retouched in a childish way. Marko Mäetamm creates both funny and uncommon works. Facing this subtle irony, the viewer can be either amused or embarrassed. Until may 2nd.

Doté d’un grand sens de l’auto-dérision, Marko Mäetamm nous invite dans son univers. Cette exposition rassemble dessins, sculptures, projections vidéos et photographies. Évoquant sa vie de famille ou les imprévus du quotidien, l’artiste se met en scène dans des scénarios au second degré. Entre implication personnelle et distanciation humoristique, il crée des œuvres à l’esthétique simple et directe. La série de sculptures Little Drama en est un bel exemple. Des jouets en plastique s’y suicident de diverses manières dans l’espace de cages en plastique suspendues au plafond. La série Funny Dreams est constituée de photos de famille retouchées à la manière de dessins enfantins. Marko Mäetamm crée des pièces délicieusement décalées. Face à leur subtile ironie, le spectateur est soit amusé, soit embarrassé. Jusqu’au 2 mai.

http://www.nettiehorn.com/MarkoMaetamm_LoveFearSigns.htm

Eberhard Havekost: Guest, White Cube Hoxton Sq.

In the variety of paintings on display, the series of large scale canvas Gast is the most striking. Eberhard Havekost has taken photographs of a tree at night. Shot with a flashlight, these pictures show the tree from several angles. With Gast, the artist translates theses stills from photograph to oil. The dark and mysterious tree seems petrified, painted with subtles washed coloured, in shades of green, grey and violet. It appears as a dark and threatening shape. These fascinating paintings confront us with our primeval instincts, it’s almost a mystical experience. Until may 1st.

Des différents tableaux exposés, la série de grands formats Gast est la plus frappante. Eberhard Havekost a photographié un arbre, de nuit, au flash, sous plusieurs angles. Cette série est la transcription sur toile de ces clichés. L’arbre, comme pétrifié, sombre et inquiétante entité, apparaît dans de sublimes dégradés de vert, gris et violet délavés. Ces fascinantes toiles nous confrontent à nos instincts premiers, c’est une expérience presque mystique. Jusqu'au 1er mai.

http://www.whitecube.com/exhibitions/havekost/

Forcefield: Videos, Seventeen

In the darkness of the basement, the gallery hosts a display of videos by the New York based group Forcefield. The installation, mixing TV screens and video projection, is very dynamic and works perfectly. In the dark, the screens are both obvious and unavoidable. Forcefield’s creative process is quite alternative. They use to blur the boundaries between disciplines, mixing dance, music, costumes making, video and performance. The works on display include coloured flashlights, microscopic images, comedy and ghostlike apparitions. It’s hypnotic. Until may 29th.

Dans la pénombre de son sous sol, la galerie présente une installation de vidéos par le collectif new yorkais Forcefield. Ecrans de télévision, projection, multiplicité des postes, l’installation est dynamique et fonctionne parfaitement. Dans le noir, les images lumineuses sont évidentes et inévitables. Forcefield crée des oeuvres à la fois pluri-disciplinaire et alternatives, mêlant danse, musique, création de costumes, vidéo, performance. Entre flashs colorés, images microscopiques, farces costumées et apparitions mystiques, leurs images obsédantes hypnotisent le spectateur. Jusqu’au 29 mai.


http://www.seventeengallery.com/index.php?p=3&id=56

Bharti Kher : inevitable undeniable necessary, Hauser & Wirth

Bharti Kher is a leading indian artist. At the moment, there is a few of her works shown in the exhibition « The Empire Strikes Back : New Art From India » at the Saatchi gallery. Bindis are her favorite material. She uses them on the inside walls of a wooden hut, anatomical drawing plates, and on mirrors. The latter are displayed on the top floor of the gallery. They’re arranged in a kind of magical way, all around the room, the viewer is surrounded by them. The mirrors are broken. Bharti Kher puts bindis on them, in a variety of sizes and colours, creating a wide range of patterns. The glass cast shadows on the wooden floor, lights and colours are mixing, producing a unique atmosphere. The broken mirror is sign of bad luck. The bindi represents one’s individuality. The mix of both offers an interesting contrast : can you fix a broken mirror with bindis ? The artist evokes one’s ability to determine one’s life. In the garden, Choleric, phlegmatic, melancholy, sanguine, a terribly beautiful sculpture represents the hindu goddess Kali (pictured). Until may 15th.

L’artiste indienne, aussi exposée au sein de l’exposition « The Empire Strikes Back : New Art From India » tient la vedette chez Hauser & Wirth. Son matériau favori, les bindis, est repris pour tapisser l’intérieur d’une cabane de bois, des planches d’anatomie féminine, ou encore des miroirs. Ceux-ci sont présentés au dernier étage de la galerie, dans un accrochage presque magique. Ils sont accrochés tout autour de la salle, sur chaque mur, le spectateur est entouré par l’installation. Bharti Kher colle sur ces miroirs brisés des bindis de tailles et couleurs variées, créant une large palette de motifs. La surface de verre projette des reflets sur le parquet, le jeu des couleurs et de la lumière crée une atmosphère unique. Le miroir brisé, mauvais présage, et les bindis, symboles du karma individuel, offrent un intéressant contraste autour de la destinée humaine. Peut-on réparer un miroir brisé avec des bindis ? L’artiste questionne le potentiel de détermination humain. Dans le jardin, une statue terriblement belle représente la déesse Hindu Kali intitulée Choleric, phlegmatic, melancholy, sanguine (photo). Jusqu’au 15 mai.

http://www.hauserwirth.com/exhibitions/503/bharti-kher-inevitable-undeniable-necessary/view/

Richard Hamilton: Modern Moral Matters, Serpentine Gallery

L’exposition se focalise sur les œuvres politiques de Richard Hamilton, qui s’attaque au terrorisme, au musée, à la presse… L’accrochage permet de comprendre le processus créatif de l’artiste, et les différentes manières qu’il a de traiter le matériel photographique. La série Swingeing London 67 est une satire de la presse britannique. En février 1967, Mick Jagger et le marchand d’art Robert Fraser sont arrêtés au domicile de Keith Richards pour possession de substances illicites. Les tabloïds se déchaînent, c’est un véritable scandale. Un collage d’articles de journaux relatifs à l’affaire en témoigne, et la photographie des suspects est reproduite suivant différentes techniques. Richard Hamilton tourne en dérision la lourdeur de la société britannique qui porte au pilori les deux suspects menottés, une tradition qui traîne un pas lourd plutôt qu’elle ne swingue… Jusqu’au 25 avril.

The exhibition points on Richard Hamilton’s political works. They refer to terrorism, museum, or press. The display brings into focus the artist’s working process, and the different ways he uses photographic material. The series Swingeing London 67 is a satire of british press. In february 1967, Mick Jagger and the art dealer Robert Fraser are arrested for possession of illegal substances at the home of Keith Richards. The press makes it a scandal, virulent attacks are published in tabloids. A collage of newspaper articles tells the stories in details. The picture of the two handcuffed suspects is reproduced with different techniques. Richard Hamilton protests against the british establishment, in a swingeing rather than swinging London… Until april 25th.

http://www.serpentinegallery.org/2010/03/richard_hamilton23_february_18.html

The Empire Strikes Back: Indian art today, Saatchi Gallery

Cette exposition montre la diversité de l’art contemporain indien. Outre la richesse des thèmes abordés et des techniques employées, le corps semble occuper une place prépondérante dans l’imaginaire de ces artistes. Ce n’est pas n’importe quel corps. Passé aux rayons X, modifié ou bien reconstruit, ces images du corps se rassemblent, se ressemblent, autour d’un réflexion identitaire. Le tableau Anxiety of the unfamiliar (2006) de Probir Gupta révèle des cafards émergeant d’affreux cadavres. Transformation ? Révélation ? L’artiste place cette dérangeante vision en perspective avec les portraits en négatif d’hommes politiques indiens. Tar Man 5 et Tar Man 6 (2008) de Kriti Arora sont, comme intitulé, des sculptures enduites de goudron. Ces ouvriers étouffent, suffoquent dans leur corps brûlant et asphyxiant. Stigmatisant la pénibilité de le leur travail, l’artiste évoque en même temps la difficulté de la tâche qui consiste à reconstruire l’Inde. Avec la série Untitled (Eclipse) (2007-2008) Jitish Kallat fait du corps une ville. Dans ces tableaux, les cheveux des enfants deviennent le support d’un paysage urbain chaotique où des dizaines d’histoires s’entrechoquent. Le corps fusionne avec les autres, avec la ville, dans le climat surpeuplé de Mumbai. Le corps est absent de la sculpture proposée par Tallur L.N. (Untitled, 2007). Des matelas gonflables sont empilés sur un lit d’hôpital. Enduits d’un liquide noir et collant, semblable à du goudron, ils semblent respirer d’un souffle mortifère. L’artiste dénonce l’extrême pauvreté de certaines provinces indiennes, à l’agonie, en délivrant une œuvre terriblement déprimante. Le corps dans tous ses états et au-delà. Jusqu’au 7 mai.

This exhibition shows the diversity in today’s indian art. The body seem to have a real importance for these artists, though the variety of styles and techniques they use. The body is depicted in an peculiar way : seen through X-rays, modified or reconstructed, these images involve our identity as human beings. Probir Gupta’s painting Anxiety of the unfamiliar (2006) reveals beetles coming out of dreadful corpses. This awkward scene is painted above negative portraits of men involved in indian politics. Kriti Arora’s Tar Man 5 and Tar Mar 6 (2008) are, as entitled, tar coated sculptures. These workers are suffocating in their warm and asphyxiant bodies. They are like mummified. The artist shows the harshness of their job, and, at the same time, the difficulties of rebuilding India. With the paintings series Untitled (Eclipse) (2007-2008), Jitish Kallat creates a city out of the body. The children’s hair are becoming a chaotic urban vision. Tens of stories are collapsing above their heads. The body is melting with the city, melting with other people, in the overpopulated Mumbai. However, the human body is gone from Tallur L.N.’s sculpture (Untitled, 2007). Inflatable mattresses are piled above an hospital bed. They’re coated with a tar-like liquid, and they seem to sickly breathe. This work, evoking the extreme pauverty in some indian villages, looks terribly depressing. Until may 7th.

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/the-new-india.htm

Crash, Homage to J.G. Ballard, Gagosian Britannia street

La galerie Gagosian rassemble ses artistes dans son espace de Britannia street pour un hommage à J.G. Ballard, auteur du livre Crash. L’exposition se veut un événement. D’entrée, on est accueilli par le train d’atterrissage d’un avion, Honda Teen Facial de l’artiste Adam McEwen. Le livre raconte une communauté fétichiste fascinée par les accidents de voiture, et les œuvres fusent autour de ce thème. Engins mécaniques, collisions, désastres, corps meurtris et modifiés sont autant de chocs visuels qui dialoguent dans un accrochage plutôt provocateur. Dans une société déshumanisée, la sexualité doit devenir mécanique. Les mannequins modifiés de Cindy Sherman (Untitled #253) sont équipés de vagins. Le Mechanical Pig hyper sexué de Paul McCarthy est presque obscène. Ces œuvres, hybrides d’organique et de technologique prennent une nouvelle dimensions face à l’explosion colorée de Piotr Uklanski, Untitled (Ivy Mike). Comme le rappelle Douglas Gordon en le gravant sur les murs de la galerie, « We are all going to die ». Damien Hirst présente, sous un aspect légiste, la cervelle éclatée d’un pilote d’avion mort dans le crash de son appareil, When Logics Die. L’espace urbain, scène où ont lieu les accidents, est aussi très présent. Les froids clichés d’une autoroute déserte la nuit, de l’artiste Dan Holdsworth, Untitled (Autopia) sont simplement beaux. La diversité des œuvres est vraiment intéressante. Les nus corsetés de Helmut Newton, Jenny, Gunilla, Jane et Jassara, résument bien l’esprit de l’ensemble, sexy mais dérangeant, fascinant mais un peu sale. Belles et fragiles, leur handicap les mécanise, les fétichise, alors qu’elles s’offrent à l’objectif du photographe. Ce corps assisté devient encore plus désirable parce qu’il tend vers l’automate. Jusqu’au 1er avril.

Gagosian is gathering his artists in his Britannia street space. It is a tribute to J.G. Ballard, who wrote the novel Crash. The exhibition tends to be an event, with a beautiful catalogue. You are welcomed by a Boeing 747 undercarriage, Honda Teen Facial, by the artist Adam McEwen. Crash tells the story of a fetishist group fascinated by car accidents. The works shown are related to this theme : engines, collisions, disasters, injured and modified bodies… working together in a provocative display. In a society ruled by machines, the body has to renew itself to have sex. It has to become mechanical. Cindy Sherman’s dummies (Untitled #253) are modified with a vagina. Paul McCarthy’s ultra-sexual Mechanical Pig is almost obscene. These works, hybrid of organic and technologic matters, take a new dimension opposite Piotr Uklanski’s large-scale colourful outburst, Untitled (Ivy Mike). And as Douglas Gordon carved into the wall of the gallery, « We are all going to die ». Damien Hirst shows, in a medical view, a pilot’s scattered brain after the crash of his aircraft, When Logics Die. The urban space, where the crashes happen, is represented as well. Dan Holdsworth’s Untitled (Autopia), stark photographs of a quiet motorway by night, is simply beautiful. Crash is about being human, body and soul, in a non human society. The diversity of the works is very interesting. Helmut Newton’s photographs are a beautiful way to sum up the show. Jenny, Gunilla, Jane and Jassara are naked, their body fastened in a medical corset. These pictures ares both sexy and weird, both fascinating and a bit dirty. Their injured body is mechanically healed, and they become an hybrid of human and machine to please the camera. The more mechanical, the more desirable. Until april 1st.

http://www.gagosian.com/exhibitions/2010-02-11_crash/

Chris Ofili @ Tate Britain

Pour ou contre la bouse d’éléphant ? Chris Ofili est pour. Les excréments envahissent les toiles et leur servent de support. Collage, peinture, glitter, épingles, l’artiste mélange les techniques comme les références. Ses compositions riches en couleurs s’articulent autour de l’histoire de l’art, la culture afro, la religion, le sexe, ou encore des mythes contemporains. Ce mélange d’influences produit des toiles délicieusement acidulées. Du choc des couleurs et des textures émane une véritable énergie. La troisième salle consiste en The Upper Room. C’est un caisson en bois, conçu par l’architecte David Adjaye, abritant une série de treize tableaux produits entre 1999 et 2002. Chacun représente un singe tenant un calice, traité en quasi monochrome. Les singes sont tournés vers une divinité accrochée au fond de la salle. L’espace confiné, l’éclairage et la disposition des tableaux créent une ambiance presque mystique. L’architecture fonctionne vraiment en harmonie avec les œuvres exposées. Les oeuvres plus récentes, peintes depuis l’installation de Chris Ofili à Trinidad en 2005, révèlent un tournant esthétique. L’artiste n’utilise plus la bouse d’éléphant, ni de glitter, ni de collages. Il peint en grand format de voluptueux corps aux membres étirés comme avec Confession (Lady Chancelor) (2007). Il juxtapose de larges aplats de couleurs pour composer des tableaux à la sensualité évidente. L’exposition de la Tate présente une œuvre riche, en constante évolution. Jusqu’au 16 mai.

Elephant dung has pros and cons. Chris Ofili goes for it. Dungs appear on the canvas, they even support them. The artist mixes the techniques and the references. His utterly colorful paintings use glitter, collages, dungs and pins, so as to reveal various influences from religion to afro culture. By mixing colours and textures, the artist creates a very dynamic work. The third room is called The Upper Room. The architect David Adjaye has designed a wooden box to display a series of thirteen paintings produced between 1999 and 2002. Each one depicts a monkey holding a chalice, painted in a quasi monochrome style, and is facing a god-like canvas, hung on the backwall. The display, the light, and the enclosed environment create a mystical atmosphere. This Upper Room enhances admirably the paintings. The most recent works show a new turn in Chris Ofili’s art. The artist moved to Trinidad in 2005. There is no more elephant dung, either glitter, nor collages. On large scale canvas, the artist paints voluptuous figures with elongated body parts, like in Confession (Lady Chancelor) (2007). These works evoke a richly sensous spirit. Tate present a beautiful show, of a work getting more and more interesting. Until may 16th.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/chrisofili/default.shtm

Franz Ackermann : Wait @ White Cube Mason's Yard

Franz Ackermann nous invite dans un environnement chaotique et coloré. Peinture, vidéo et installation plongent le spectateur dans l’univers de l’artiste allemand. Les tableaux richement colorés s’ouvrent sur plusieurs perspectives à la fois. La dynamique est si forte qu’il est difficile pour l’œil de se concentrer sur un point. Inspirés par l’architecture et l’imagerie publicitaire, ces tableaux évoquent les réseaux contemporains. Réseaux de communication, réseaux urbains, l’artiste tente d’établir une grille de lecture à notre société postmoderne. Son œuvre reflète les flux d’information constants se remplaçant, s’imposant les uns aux autres dans un perpétuel renouvellement. Franz Ackermann présente un monde où tout va très vite et en même temps. C’est un plaisir de s’y perdre. Jusqu'au 1er avril.

The german artist Franz Ackermann creates a chaotic and colorful environment, with painting, video and installation. The richly colorful paintings open on several different views at the same time. The dynamic of the works is very strong. Inspired by architecture and advertising, their energy is amazing. The artists reveals the activity of our contemporary networks. Communication networks, urban planning, his works reflect the postmodern world. The whole society is in a state of flux, which never stops flowing. Everything is continuously new and happens everywhere at the same time. Franz Ackermann depicts a perpetually renewed world, where it’s good to get lost. Until april 1st.

http://www.whitecube.com/exhibitions/ackermann/

Berlin: Walton Ford, Bestiarium @ Hamburger Bahnhof

L’œuvre de l’artiste américain Walton Ford est présentée pour la première fois en Europe au Hamburger Bahnhof. Ses peintures grand format évoquent les illustrations des manuels d’histoire naturelle. L’artiste est fasciné par les travaux de l’ornithologue et dessinateur John James Audubon (1785-1851). Si les animaux de Walton Ford sont représentés dans le style colonial, la mise en scène est surréaliste. Les couleurs éclatantes et le sens du détail servent l’imaginaire de l’artiste. Dérèglements de la chaîne alimentaire, combats inattendus, comportements humains… Le bestiaire de Walton Ford n’a finalement rien d’académique. Des animaux au rendu sublime dans des attitudes merveilleusement déviantes.

For the first time in Europe, the american artist Walton Ford’s work is shown at Hamburger Bahnhof. His large scale paintings remind the illustrations of natural history books. The artist is fascinated by the ornithologist and drawer of animals John James Audubon (1785-1851). Walton Ford depicts animals in a colonial-era style, but the set is surrealist. Unruled food chain, unexpected fights, human behaviour, … Walton Ford’s Bestiarium is all but traditionnal. These beautiful creatures are behaving in an amazingly disturbing way.

Until may 24th

www.waltonford.org

Berlin : Wolfgang Tillmans @ Berghain

Berghain est en un lieu unique. Réputé pour un son électro ultra pointu, les foules attendent des heures avant d’y pénétrer. Les physios sont très sélectifs, on ne rentre pas dans ce club comme à Londres ou Paris. C’est une question d’attitude, pas de look. Ce club installé dans une station électrique désaffectée de Berlin Est refuse les représentations. Il les interdit même. A l’intérieur du Berghain, pas de photo, sous peine d’expulsion. Pas de miroirs, même dans les toilettes. Pas moyen de se voir autrement dans le regard des autres. En refusant l’auto-représentation, le club s’impose comme une expérience. Dans cet antre où tout est permis, les clients vont aux limites d’eux-même. Facile de se perdre dans cette Babylone contemporaine. Un photographe est néanmoins le témoin de cette scène underground. Wolfgang Tillmans est la seule personne autorisée à prendre des photos à l’intérieur du Berghain. Quelques images sont exposées au Panorama Bar, au deuxième étage. Sexys, crus, parfois pornos, il offre au spectateur des clichés sans fioritures. Dans une esthétique qui me rappelle celle de Nan Goldin ou encore Hedi Slimane, Wolfgang Tillmans capture l’énergie de cette jeunesse borderline. Presque aussi direct que l’expérience du club.

Berghain is a very unique place. This club is famous for its very edgy electro music. You wait for hours before you get in, if you can get in. The doormen are very selctive. But it’s not like in London, it’s more a question of attitude than outfit. Attitude, that’s it. This club is installed in a missused power sation in East Berlin. It’s forbidden to take photographs inside Berghain. There is no mirror inside Berghain, not even in the toilets. By rejecting self-representation, the club has to be an experience. There’s no spectators either viewers, only actors. You can easily get lost in this contemporary Babylon. The photographer Wolfgang Tillmans is the only person allowed to take pictures inside the club. Some of them are displayed on the walls of the Panorama Bar, on the second floor. Raw, sexy, sometimes porn, his photographs are not made up. In a way, he reminds me Nan Goldin or Hedi Slimane. Wolfgang Tillmans captures the energy of Berlin’s underground youth. It’s almost as direct as the Berghain experience.

www.berghain.de

Berlin Berlin

I spent a few days in Berlin, it was a blast. The architecture is amazing, and the city is very dynamic. I met lovely people. I love Berlin.