Rodchenko and Popova, defining constructivism, Tate Modern

Once again, a great exhibition in the Tate. This one focuses on constructivism, especially on Aleksandr Rodchenko and Liubov Popova. After the russian revolution, the constructivist movement aims to change art and society. Art would be a way to create a ideal society. These artists wanted to improve real life through art. Then art could’nt be the same. There must be a breakdown, no more figuration, neither composition. Instead, we talk about construction. How do such committed artists reach their goal ? The first rooms show paintings and graphics works. The line becomes paramount in Rodchenko ‘s works, whereas Popova paints her Space-Force Construction series. They use ruler and compass, so as to erase the artist’s sensibility. Architecture appears as an intermediary between ideal aesthetics and real life. But for both artits, this desire is only reached in the theatre field. In 1920-21, Rodchenko creates his Hanging Spatial Constructions. He liberates the sculpture from the wall as the floor. Then, with Pure Red Colour, Pure Yellow Colour, and Pure Blue Colour, he liberates the oil from the representation. The raw pigments do not depict anything but coloured material. They become objects. Finally, the Constructivists work in the advertising field. They produce lots of posters, selling politics as biscuits. Their style becomes iconic of that period (1920-1924). It is in that way they enter in everyday life. They create an aesthetic matching the political changes and the new ideals. Today, this manner is still effective and dynamic. Russian revolutionists change the society, Russian constructivists define a striking style.

Version française. Encore une fois, une superbe exposition à la Tate. Celle-ci se concentre sur le constructivisme, particulièrement sur Aleksandr Rodchenko et Liubov Popova. Après la révolution russe, le mouvement constructiviste tend à changer l’art et la société. L’art serait un moyen de créer une société idéale. Ces artistes veulent améliorer le quotidien à travers l’art. Dès lors, l’art ne peut être le même. Il doit y avoir une rupture, plus de figuration, ni de composition. A la place, on parle de construction. Comment des artistes aussi engagés atteignent-ils leur but ? Les premières salles montrent des peintures et des dessins. La ligne devient primordiale dans les œuvres de Rodchenko, tandis que Popova peint sa série Space-Force Construction. Ils utilisent la règle et le compas afin d’effacer la sensibilité de l’artiste. L’architecture apparaît comme un intermédiaire entre les idéaux esthétiques et la vie quotidienne. Mais pour les deux artistes, ce désir sera comblé seulement dans le champ théâtral. En 1920-21, Rodchenko sculpte ses Hanging Spatial Constructions. Il détache la sculpture du mur comme du sol. Ensuite, avec Pure Red Colour, Pure Yellow Colour, et Pure Blue Colour, il libère la peinture de la representation. Les pigments ne représentent rien d’autre qu’un matériau coloré. Ils deviennent des objets. Finalement, les constructivistes travaillent pour la publicité, vendant des biscuits comme de la politique. Leur style est iconique de cette période (1920-1924). C’est un moyen d’entrer dans le quotidien. Ils créent une esthétique correspondant aux changements politiques, aux nouvelles idées. Aujourd’hui, cette touche est toujours efficace et dynamique. Les révolutionnaires russes changent la société, les constructivistes russes définissent un style marquant.

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/rodchenkopopova/default.shtm

Jim Shaw, Simon Lee Gallery

This exhibition is entitled The Whole : a study in Oist integrated movement. The project Oism is a project started in the late 1990's, in which Jim shaw recreates a fictionnal religion. The woman is in the center of this religion, inspired by new age movements. Jim Shaw’s paintings depict women faces mixed with intricate roots. It’s a kind of organic. You must go downstairs to watch the 16 min video. The first part is a dazzling abraction. Then several women start a sensual dance in a 1970s style. It is amazing.

http://www.simonleegallery.com/ex_jim_shaw_works.htm

Altermodern, Tate Britain

The Tate Triennal shows the works of 28 artists. Nicolas Bourriaud, the curator, explains that Altermodern comes after postmodern. We live in a globalised society. Altermodern depicts a world of communication and mobility. Sunday, 2 o’clock. Two volunteers played giant accordian, thanks to Ruth Ewan. The British artist selected a playlist of political and idealistic songs to be played during the show. It is weird, but it works. Then, I was amazed by Franz Ackermann’s room. The German’s bright coloured installation is vibrant. You have to move inside of the room, between paintings and real objects, it’s kind of pleasant. Walead Beshty aimed to sculpt a transatlantic flight. The British sent glass boxes from the US to the UK via FedEx. Obviously, the cubes are damaged when they arrive in the gallery. The fractures show the journey from one country to another. They depicts space that is not on the map. The French Loris Gréaud has recored his cerebral activity on a computer, when he was thinking about a former work, Cellar Door. These brainwaves have been changed in electrical signals, which are transmited to the visitors by vibrators on the floor of the gallery. It is a kind of Sci-Fi experience, reminding that art can be really thought sometimes.

Version française. La triennale de la Tate présente les œuvres de 28 artistes. Nicolas Bourriaud, le curateur, explique comment Altermodern vient après le postmoderne. Nous vivons dans une société globalisée. Altermodern reflète un monde de communication et de mobilité. Dimanche, 14 heures. Deux volontaires jouent d’un accordéon géant, grâce à Ruth Ewan. L’artiste britannique a choisi une liste de chansons politiques et idéalistes pour être jouées pendant l’exposition. C’est bizarre, mais ça fonctionne. Ensuite, j’ai été séduit par la salle consacrée à l’Allemand Franz Ackermann. Son installation, riche en couleurs, est étonnante. Il faut se déplacer dans la pièce, entre les peintures et les objets réels, et c’est assez plaisant. Le Britannique Walead Beshty est parvenu à sculpter un vol transatlantique. I a envoyé des boîtes en verre depuis les USA vers le Royaume Uni via FedEx. Evidemment, les cubes sont endommagés en arrivant à la galerie. Les fissures montrent le voyage d’un pays à l’autre. Elles représentent un espace qui n’est pas sur la carte. Le Français Loris Gréaud a enregistré son activité cérébrale sur un ordinateur, alors qu’il pensait à une ancienne œuvre, Cellar Door. Ces ondes ont été traduites en signaux électriques, qui sont transmis aux visiteurs par des vibrateurs sur le sol de la galerie. C’est une expérience assez étrange, qui rappelle que parfois, l’art peut être vraiment réfléchi.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/altermodern/

Unveiled : new art from Middle East, Saatchi Gallery

This exhibition shows how middle eastern artists deal with the questions of genders and politics today. The display is very coherent. It emphases the meaning of the works. Several artists focus on the role of women in society. Kader Attia sculpts them in aluminium foils. Their praying bodies appears like Ghosts. Hayv Kahraman paints the ritual sacrifice of the lamb. She puts women instead of men on her canvas, crossing the tradionnal bound between genders. Ahmad Morsheldo’s beautiful paintings put the light on the differences between men and women in everyday life. His standing figures are strong, both realistic and undefined. The gallery 10 displays unexpected views of sensuality. Ramin Haerizadeh explores the tradition of Taaziye theatre, performed exclusively by men. Hyper realistic flesh, somptuous tapestries and fabrics and sensual male bodies put the myth into the 21st century thanks to Photoshop. The result is both innovative and transgressive. Another provocation is Shirin Fakhim’s Tehran prostitute series. She sculpts grotesque bodies made of ordinary objects and items of clothes. Her characters are hilarious caricatures, vulgar muppets on high heels. Marwan Rechmaoui shows two aspect of Beirut, a map and a building. He reflects the relationship to place in a war zone, and how the troubles shaped the everyday life. Diana Al-Hadid’s architectures show a ruined civilisation. Inspired by the Tower of Babel and New York buildings, her structures come from a post-apocalptyic era. Wafa Hourani sets his city in 2067. But his futurist refugee camp doesn’t seem futuristic. Due to the war, the architecture, as the politics, stagnates.

Version française. Cette exposition montre comment les artistes du moyen orient traitent des questions de genre et de politique aujourd’hui. L’accrochage est pertinent, il renforce la portée et le propos des œuvres. Plusieurs artistes s’intéressent au rôle des femmes dans la société. Kader Attia les sculpte dans des feuilles d’aluminium. Leurs corps en prière apparaissent tels des fantômes. Hayv Kahraman représente le sacrifice rituel de l’agneau. Elle remplace les hommes par des femmes, défiant les traditionnelles barrières entre les genres. Les sublimes peintures de Ahmad Morsheldo mettent en lumière les différences entre hommes et femmes au quotidien. Ses personnages sont forts, à la fois réalistes et indéfinis. La galerie 10 affiche une sensualité inattendue. Ramin Haerizadeh explore la tradition du théâtre Taazye, joué exclusivement par des hommes. Chair hyper-réaliste, somptueux tissus et tapisseries et sensuelle virilité propulsent le mythe au 21e siècle grâce à Photoshop. Le résulat est à la fois innovant et transgressif. Toujours dans la provocation, la série Tehran prostitute de l’artiste Shirin Fakhim. Elle sculpte des corps grostesques dans objets de récupération et des morceaux de vêtement. Ses personnages sont d’amusantes caricatures, de vulgaires marionnettes en talons hauts. Marwan Rechmaoui représente deux aspects de Beirut, une carte et un immeuble. Il montre la relation à l’espace dans une zone de guerre, et comment les conflits ont défini le quotidien. Les architectures de Dian Al-Hadid reflètent d’une civilisation ruinée. Insipirées par la tour de Babel et les grattes ciels de New York, ses propositions viennent d’une ère post-apocalyptique. Wafa Hourani, lui, installe sa ville en 2067. Mais son camp de réfugiés du futur n’a rien de futuriste. A cause de la guerre, l’architecture, comme la politique, stagne.

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/unveiled/