Short Reviews

Alice Aycock : Untitled Delight (Wavy Enneper)

2011-05-04T23:13:00.000+01:00

Charlottenstraße 25

Until june 25th

A mathematic theory underpins this show. The artist brings an abstract theory into form, gathering here a sculpture and a few drawings. She creates hybrids by making real an abstract idea. Thus, her sculpture evokes an extraterrestrial, an exotic flower or even an insect. In the meantime, the drawings put a light on her creative process.

Pour cette exposition, l’artiste s’appuie sur des théories mathématiques qu’elle met en formes. Ici sont rassemblés une sculpture et quelques dessins. Son travail tient de l’hybride : une idée abstraite concrétisée dans le réel. La sculpture évoque tantôt une fleur synthétique, une créature extraterrestre ou encore un insecte. Les dessins éclairent le processus créatif : des volutes colorées se détachent sur un fond abstrait.

Meredith Sparks : Striped Bare

2011-05-04T23:00:00.006+01:00

Veneklasen/Werner
Rudi-Dutschke-Straße 25
Until june 18th

Through her sewn paintings, Meredith Sparks creates a gentle and surrealistic poetry of the everyday. She patches photos with various fabrics, the stitches allowing to see the easel. She made a beautiful series depicting radiators : she focuses on mundane objects. This process brings the viewer into a new décor, where it’s fascinating to get lost.

Laissant parfois deviner le châssis à travers ses tableaux rafistolés, l’artiste compose une douce et surréaliste poésie du quotidien. Ces raccommodages de photos et d’étoffes variées évoquent notamment des radiateurs. Attirant l’attention du spectateur sur des objets anodins, elle l’immerge dans un nouveau décor au sein duquel il est fascinant de se perdre.

Tony Cragg

2011-05-04T22:55:00.002+01:00

Buchmann Galerie
Charlottenstraße 13
Until june 11th

Tony Cragg follows his famous ectoplasmic sculptures. These amazing bronze giants may evoke both body parts and totemic figures, perfectly crafted half way between organic and mechanic. The gallery display is very clever and the last sculpture is especially interesting : made of wood, the iconic ghostly shape, the core, is hidden behind a multi layered sarcopahgus. By playing hide and seek, the artist brings a new dynamic in questioning the viewer’s relation to the work.

Tony Cragg poursuit ses fameuses sculptures ectoplasmiques. Ces superbes géants de bronze évoquent à la fois des détails anatomiques et des figures totémiques. Le parcours de l’exposition révèle une cinquième sculpture particulièrement intéressante. Dans celle-ci, la forme spectrale typique est camouflée par un sarcophage aux couches multiples. En cachant son noyau, l’artiste questionne le rapport du spectateur à l’œuvre à travers une nouvelle dynamique.

Gauguin, Maker of Myth, Tate Modern

2010-10-06T23:24:00.007+01:00

Borrowing to his Impressionist friends, Gauguin creates amazing paintings by mixing coloured touches. Between dream and earthly pleasures, they taste like paradise. The curators chose a thematic display: Sacred Themes, Fictions of Feminity, Taler of Tales,… aiming to show Gauguin as a Maker of Myth. He definitely is. I have been amazed by his Tahitian paintings, I embarked with the painter upon his journey, and it was difficult for me to leave the gallery. I am reading the catalogue whilst writing this post, and I would like to see these landscapes again, go back to 1890s Tahiti and look at these beautiful women surrounded by enchanted landscapes. Pink clouds, lilac mountains, quasi abstract water treatment, everything is absolutely beautiful. For sure, I shall soon go back to Tate to look at it again. Until January 16th 2011.

Empruntant à ses amis Impressionistes, par juxtaposition de touches colorées, Gauguin crée des oeuvres sublimes. Entre rêve et plaisirs terrestres, ses tableaux ont un goût de paradis. L’exposition a un accrochage thématique: Thèmes Sacrés, Fictions de Féminité, Raconteur d’Histoires… en vue de démontrer un Gaugin Faiseur de Myhte. Il l’est. J’ai été enchanté par sa période tahitienne, Gauguin m’a entrainé avec lui dans ses voyages, et il fut difficile pour moi de quitter l’expo. J’ai beau reparcourir le catalogue en rédigeant ces lignes, j’ai envie de revoir ces paysages, retourner au Tahiti de 1892, caresser du regard ces beautés lascives dans des décors incroyables. Nuages roses, montagnes lilas, traitement de l’eau quasi abstrait, tout est absolument beau. Je sais que je retournerai bientôt à la Tate pour contempler encore ces sublimes images. Je ne peux que citer Baudelaire, Harmonie du Soir:

Voici venir les temps où vibrant sur sa tige
Chaque fleur s'évapore ainsi qu'un encensoir;
Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir;
Valse mélancolique et langoureux vertige!

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/gauguin/default.shtm

Nina Chanel Abney, Fred

2010-05-21T23:43:00.004+01:00

Fred is showing paintings by the artist Nina Chanel Abney. With her simple and colorful touch, she depicts massacres, which are both cheerful and aroused. The brush strokes are almost invisible, making the cartoon like paint very flat. Men, women, bears, dogs, white and black skins: genders and races are melting to create aggressive hybrid species, which enjoy slaughter each other. Violent but still funny threatening jaws, ripped body parts and other blood puddles are mixing in a weird orgy. Until June 20^th.

Fred présente des tableaux de Nina Chanel Abney. De joyeux massacres orgiaques mis en scène dans une esthétique franche et colorée. La touche est lisse et plate, comme une illustration. Hommes, femmes, chiens, ours, peaux noires et blanches, genres et races se mélangent pour donner naissance à d’agressives créatures hybrides qui n’en finissent pas de s’écharper. Mâchoires menaçantes, membres arrachés, corps sanguinolants s’entremêlent dans des attitudes plus ou moins suggestives. Jusqu’au 20 juin.

http://www.fred-london.com/index.php?mode=exhibitions&id=67

Cerith Wyn Evans, White Cube Mason's Yard

2010-05-21T23:30:00.005+01:00

White Cube is hosting a show of Cerith Wyn Evans’ works, entitled “Everyone’s gone to the movie, now we’re alone at last”. On the ground floor, the space is filled with an installation made of mobile circular mirrors and speakers. Actually, the sound is more eerie than the visual structure. The soundtrack blares a mix of various records, from music to noise, creating a loud and irritating symphony. In the basement there are seven big columns built of light bulbs, linking the floor to the ceiling. They light on and off on a slow pace, like breathing, though the viewer cannot breathe. The lamps generate such heat that the air is unbreathable and one doesn’t feel comfortable. Both works, though very different, act in the same way, they create a physical and phenomenological experience for the viewer. One cannot escape noise either heat but if one leaves the gallery: there is no alternative. It's radical and breathtaking. The artist shows as well a light sculpture and a few works on paper. Until May 22nd.

White Cube présente une exposition de l’artiste Cerith Wyn Evans, intitulée “Everyone’s gone to the movie, now we’re alone at last”. Au rez de chaussée, une installation de miroirs circulaires mobiles et de hauts parleurs occupe toute la galerie. Le son est plus désorientant que le visuel. La bande sonore diffuse un mélange de divers enregistrements, bruitages et musique créant une symphonie aggressive et irritante. Au sous sol, la galerie acceuille sept colonnes constituées de lampes, allant du sol au plafond. Les colonnes s’éclairent puis s’éteignent sur un rythme lent, comme une respiration. Mais le spectateur, lui, ne peut pas respirer. La chaleur générée par les lampes est étouffante, et le corps cherche à échapper de cette salle. Ces deux installations ont un impact physique, phénoménologique sur le spectateur. Le bruit comme la chaleur sont inévitables. Ces oeuvres s’imposent: il n’y a pas d’alternative pour le spectateur sinon de quitter la galerie. À couper le souffle. L’artiste présente aussi une sculpture en néons et quelques oeuvres sur papier. Jusqu’au 22 mai.

http://www.whitecube.com/exhibitions/wyn%20evans/

Jean-Luc Mylayne, Sprüth Magers

2010-05-17T23:00:00.003+01:00

Sprüth Magers is hosting an exhibition of photographs by Jean-Luc Mylayne. This series focuses on Bluebirds, a rare species found in North America. These birds are famous for their bright colours. The artists installs his equipment, and waits for the bird to get used to it. It can takes up to several months before they behave normally, hence the photographs can be taken. Some of the pictures are blurred, or unfocused, reavealing the long wait and doubtfulness due to the photographic process. The time and energy involved in the project become, for the viewer, the simple joy of looking at nature. These photographs are simply beautiful. The artist records an unique instant with his camera. Until may 29th.

Sprüth Magers accueille une exposition de photographies par Jean-Luc Mylayne. L’artiste s’intéresse aux Merlebleus, une rare espèce d’oiseaux d’Amérique du Nord, fameux pour leurs couleurs. L’artiste installe son matériel et attend que les oiseaux soient habitués à lui, jusqu’à plusieurs mois, avant de pouvoir les photographier. Ces clichés, réalisés au Texas, parfois flous ou mal cadrés, révèlent la durée du processus photographique. L’attente se trouve ainsi résumée et récompensée en quelques millisecondes, le temps d’un déclic. Les moyens, le temps, et l’énergie investis dans le projet concourent pour le spectateur, au bonheur simple de la contemplation naturelle. Des clichés simplement beaux, sans artifice, et la sensation d’assister à un instant unique. Jusqu’au 29 mai.

http://www.spruethmagers.com/exhibitions/260

Céleste Boursier-Mougenot, Curve, Barbican

2010-05-17T22:53:00.004+01:00

Céleste Boursier-Mougenot transforms the Curve into an aviary at Barbican. This is a total immersion for the viewer. First, video projections showing guitars from the floor to the ceiling. However, the sound played is the record of the video signal which generates the images, not the music produced by the instruments : silent guitars are replaced by a non-music. Then, radical change of set. The aviary looks like a beach hut. Inside, Zebra Finches, from Australia are flying freely. They wing their way between their nests, guitars as perchs and cymbals as feeders. Standing on the guitars cords, the birds play a random music which is transmitted by the speakers surrounding the space. The Zebra Finches sing, however, their whistle is covered by the electric signal they play randomly. The artist muddles visual and audio fields in a captivating experience. Until may 23rd.

Céleste Boursier-Mougenot installe une volière dans l’espace Curve du centre Barbican. L’artiste propose au spectateur une immersion totale. D’abord, des projections vidéos de guitares du sol au plafond. Le bruit diffusé n’est pas celui des instruments, mais celui du signal vidéo qui génère ces images. Les instruments sont silencieux, et remplacés par une non musique. Puis, changement de décor, nous arrivons dans la volière aux allures de cabane sur la plage. Les oiseaux, des Diamants Mandarins originaires d’Australie, volent librement entre leurs nids, des guitares électriques en guise de perchoirs, et des cymbales en lieu de mangeoires. Reliés à des amplificateurs, les instruments répondent au jeu des oiseaux sur leurs cordes. Si les Diamants Mandarins chantent, leur sifflement est court-circuité par les sonorités électroniques qu’ils jouent de manière aléatoire. Encore une fois, l’artiste crée un décalage entre les champs visuels et sonores. Une expérience étonnante. Jusqu’au 23 mai.

http://www.barbican.org.uk/thecurve/blog/index.html

Conrad Botes: House of Judas, Fred

2010-04-17T21:25:00.003+01:00

The south african artist Conrad Botes creates works mixing sexuality, race and violence. In his paintings and drawings, hybrid creatures, between man and monster, are killing each other in utterly creative ways. The artist evokes the story of his country through these colorful and dynamic works. Politically incorrect and happily dreadful. Until april 30th.

L’artiste sud africain Conrad Botes crée une œuvre mêlant sexualité, race et violence. Ses peintures et dessins montrent des créatures mi homme mi démon, s’entretuant avec une créativité certaine. À travers ses compositions dynamiques et colorées, l’artiste évoque l’histoire de son pays sans se soucier du politiquement correct. Joyeusement effrayant. Jusqu’au 30 avril.

http://www.fred-london.com/index.php?mode=exhibitions&id=66

Marko Mäetamm: Love, Fear and Warning Signs, Nettie Horn Gallery

2010-04-15T21:42:00.001+01:00

With humour and auto-derision, Marko Mäetamm invites the viewer into his world. This exhibition gather drawings, sculptures, video projections and photographs. Evoking both his family and everyday life, the artist depicts his own story through unconventional and farcical scenes. Playing with self involvement and ludicrousness, he creates works both aesthetically simple and straightforward. The Little Drama sculpture series is a brilliant example : little toys are comitting suicide in various way, traped in plastic cages hanging from the ceiling. The Funny Dreams series depicts family photographs which are retouched in a childish way. Marko Mäetamm creates both funny and uncommon works. Facing this subtle irony, the viewer can be either amused or embarrassed. Until may 2nd.

Doté d’un grand sens de l’auto-dérision, Marko Mäetamm nous invite dans son univers. Cette exposition rassemble dessins, sculptures, projections vidéos et photographies. Évoquant sa vie de famille ou les imprévus du quotidien, l’artiste se met en scène dans des scénarios au second degré. Entre implication personnelle et distanciation humoristique, il crée des œuvres à l’esthétique simple et directe. La série de sculptures Little Drama en est un bel exemple. Des jouets en plastique s’y suicident de diverses manières dans l’espace de cages en plastique suspendues au plafond. La série Funny Dreams est constituée de photos de famille retouchées à la manière de dessins enfantins. Marko Mäetamm crée des pièces délicieusement décalées. Face à leur subtile ironie, le spectateur est soit amusé, soit embarrassé. Jusqu’au 2 mai.

http://www.nettiehorn.com/MarkoMaetamm_LoveFearSigns.htm

Eberhard Havekost: Guest, White Cube Hoxton Sq.

2010-04-15T21:36:00.005+01:00

In the variety of paintings on display, the series of large scale canvas Gast is the most striking. Eberhard Havekost has taken photographs of a tree at night. Shot with a flashlight, these pictures show the tree from several angles. With Gast, the artist translates theses stills from photograph to oil. The dark and mysterious tree seems petrified, painted with subtles washed coloured, in shades of green, grey and violet. It appears as a dark and threatening shape. These fascinating paintings confront us with our primeval instincts, it’s almost a mystical experience. Until may 1st.

Des différents tableaux exposés, la série de grands formats Gast est la plus frappante. Eberhard Havekost a photographié un arbre, de nuit, au flash, sous plusieurs angles. Cette série est la transcription sur toile de ces clichés. L’arbre, comme pétrifié, sombre et inquiétante entité, apparaît dans de sublimes dégradés de vert, gris et violet délavés. Ces fascinantes toiles nous confrontent à nos instincts premiers, c’est une expérience presque mystique. Jusqu'au 1er mai.

http://www.whitecube.com/exhibitions/havekost/

Forcefield: Videos, Seventeen

2010-04-12T22:44:00.004+01:00

In the darkness of the basement, the gallery hosts a display of videos by the New York based group Forcefield. The installation, mixing TV screens and video projection, is very dynamic and works perfectly. In the dark, the screens are both obvious and unavoidable. Forcefield’s creative process is quite alternative. They use to blur the boundaries between disciplines, mixing dance, music, costumes making, video and performance. The works on display include coloured flashlights, microscopic images, comedy and ghostlike apparitions. It’s hypnotic. Until may 29th.

Dans la pénombre de son sous sol, la galerie présente une installation de vidéos par le collectif new yorkais Forcefield. Ecrans de télévision, projection, multiplicité des postes, l’installation est dynamique et fonctionne parfaitement. Dans le noir, les images lumineuses sont évidentes et inévitables. Forcefield crée des oeuvres à la fois pluri-disciplinaire et alternatives, mêlant danse, musique, création de costumes, vidéo, performance. Entre flashs colorés, images microscopiques, farces costumées et apparitions mystiques, leurs images obsédantes hypnotisent le spectateur. Jusqu’au 29 mai.

http://www.seventeengallery.com/index.php?p=3&id=56

Bharti Kher : inevitable undeniable necessary, Hauser & Wirth

2010-04-02T22:58:00.003+01:00

Bharti Kher is a leading indian artist. At the moment, there is a few of her works shown in the exhibition « The Empire Strikes Back : New Art From India » at the Saatchi gallery. Bindis are her favorite material. She uses them on the inside walls of a wooden hut, anatomical drawing plates, and on mirrors. The latter are displayed on the top floor of the gallery. They’re arranged in a kind of magical way, all around the room, the viewer is surrounded by them. The mirrors are broken. Bharti Kher puts bindis on them, in a variety of sizes and colours, creating a wide range of patterns. The glass cast shadows on the wooden floor, lights and colours are mixing, producing a unique atmosphere. The broken mirror is sign of bad luck. The bindi represents one’s individuality. The mix of both offers an interesting contrast : can you fix a broken mirror with bindis ? The artist evokes one’s ability to determine one’s life. In the garden, Choleric, phlegmatic, melancholy, sanguine, a terribly beautiful sculpture represents the hindu goddess Kali (pictured). Until may 15th.

L’artiste indienne, aussi exposée au sein de l’exposition « The Empire Strikes Back : New Art From India » tient la vedette chez Hauser & Wirth. Son matériau favori, les bindis, est repris pour tapisser l’intérieur d’une cabane de bois, des planches d’anatomie féminine, ou encore des miroirs. Ceux-ci sont présentés au dernier étage de la galerie, dans un accrochage presque magique. Ils sont accrochés tout autour de la salle, sur chaque mur, le spectateur est entouré par l’installation. Bharti Kher colle sur ces miroirs brisés des bindis de tailles et couleurs variées, créant une large palette de motifs. La surface de verre projette des reflets sur le parquet, le jeu des couleurs et de la lumière crée une atmosphère unique. Le miroir brisé, mauvais présage, et les bindis, symboles du karma individuel, offrent un intéressant contraste autour de la destinée humaine. Peut-on réparer un miroir brisé avec des bindis ? L’artiste questionne le potentiel de détermination humain. Dans le jardin, une statue terriblement belle représente la déesse Hindu Kali intitulée Choleric, phlegmatic, melancholy, sanguine (photo). Jusqu’au 15 mai.

http://www.hauserwirth.com/exhibitions/503/bharti-kher-inevitable-undeniable-necessary/view/

Richard Hamilton: Modern Moral Matters, Serpentine Gallery

2010-03-25T23:49:00.006Z

L’exposition se focalise sur les œuvres politiques de Richard Hamilton, qui s’attaque au terrorisme, au musée, à la presse… L’accrochage permet de comprendre le processus créatif de l’artiste, et les différentes manières qu’il a de traiter le matériel photographique. La série Swingeing London 67 est une satire de la presse britannique. En février 1967, Mick Jagger et le marchand d’art Robert Fraser sont arrêtés au domicile de Keith Richards pour possession de substances illicites. Les tabloïds se déchaînent, c’est un véritable scandale. Un collage d’articles de journaux relatifs à l’affaire en témoigne, et la photographie des suspects est reproduite suivant différentes techniques. Richard Hamilton tourne en dérision la lourdeur de la société britannique qui porte au pilori les deux suspects menottés, une tradition qui traîne un pas lourd plutôt qu’elle ne swingue… Jusqu’au 25 avril.

The exhibition points on Richard Hamilton’s political works. They refer to terrorism, museum, or press. The display brings into focus the artist’s working process, and the different ways he uses photographic material. The series Swingeing London 67 is a satire of british press. In february 1967, Mick Jagger and the art dealer Robert Fraser are arrested for possession of illegal substances at the home of Keith Richards. The press makes it a scandal, virulent attacks are published in tabloids. A collage of newspaper articles tells the stories in details. The picture of the two handcuffed suspects is reproduced with different techniques. Richard Hamilton protests against the british establishment, in a swingeing rather than swinging London… Until april 25th.

http://www.serpentinegallery.org/2010/03/richard_hamilton23_february_18.html

The Empire Strikes Back: Indian art today, Saatchi Gallery

2010-03-23T22:15:00.006Z

Cette exposition montre la diversité de l’art contemporain indien. Outre la richesse des thèmes abordés et des techniques employées, le corps semble occuper une place prépondérante dans l’imaginaire de ces artistes. Ce n’est pas n’importe quel corps. Passé aux rayons X, modifié ou bien reconstruit, ces images du corps se rassemblent, se ressemblent, autour d’un réflexion identitaire. Le tableau Anxiety of the unfamiliar (2006) de Probir Gupta révèle des cafards émergeant d’affreux cadavres. Transformation ? Révélation ? L’artiste place cette dérangeante vision en perspective avec les portraits en négatif d’hommes politiques indiens. Tar Man 5 et Tar Man 6 (2008) de Kriti Arora sont, comme intitulé, des sculptures enduites de goudron. Ces ouvriers étouffent, suffoquent dans leur corps brûlant et asphyxiant. Stigmatisant la pénibilité de le leur travail, l’artiste évoque en même temps la difficulté de la tâche qui consiste à reconstruire l’Inde. Avec la série Untitled (Eclipse) (2007-2008) Jitish Kallat fait du corps une ville. Dans ces tableaux, les cheveux des enfants deviennent le support d’un paysage urbain chaotique où des dizaines d’histoires s’entrechoquent. Le corps fusionne avec les autres, avec la ville, dans le climat surpeuplé de Mumbai. Le corps est absent de la sculpture proposée par Tallur L.N. (Untitled, 2007). Des matelas gonflables sont empilés sur un lit d’hôpital. Enduits d’un liquide noir et collant, semblable à du goudron, ils semblent respirer d’un souffle mortifère. L’artiste dénonce l’extrême pauvreté de certaines provinces indiennes, à l’agonie, en délivrant une œuvre terriblement déprimante. Le corps dans tous ses états et au-delà. Jusqu’au 7 mai.

This exhibition shows the diversity in today’s indian art. The body seem to have a real importance for these artists, though the variety of styles and techniques they use. The body is depicted in an peculiar way : seen through X-rays, modified or reconstructed, these images involve our identity as human beings. Probir Gupta’s painting Anxiety of the unfamiliar (2006) reveals beetles coming out of dreadful corpses. This awkward scene is painted above negative portraits of men involved in indian politics. Kriti Arora’s Tar Man 5 and Tar Mar 6 (2008) are, as entitled, tar coated sculptures. These workers are suffocating in their warm and asphyxiant bodies. They are like mummified. The artist shows the harshness of their job, and, at the same time, the difficulties of rebuilding India. With the paintings series Untitled (Eclipse) (2007-2008), Jitish Kallat creates a city out of the body. The children’s hair are becoming a chaotic urban vision. Tens of stories are collapsing above their heads. The body is melting with the city, melting with other people, in the overpopulated Mumbai. However, the human body is gone from Tallur L.N.’s sculpture (Untitled, 2007). Inflatable mattresses are piled above an hospital bed. They’re coated with a tar-like liquid, and they seem to sickly breathe. This work, evoking the extreme pauverty in some indian villages, looks terribly depressing. Until may 7th.

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/the-new-india.htm

Crash, Homage to J.G. Ballard, Gagosian Britannia street

2010-02-26T01:59:00.007Z

La galerie Gagosian rassemble ses artistes dans son espace de Britannia street pour un hommage à J.G. Ballard, auteur du livre Crash. L’exposition se veut un événement. D’entrée, on est accueilli par le train d’atterrissage d’un avion, Honda Teen Facial de l’artiste Adam McEwen. Le livre raconte une communauté fétichiste fascinée par les accidents de voiture, et les œuvres fusent autour de ce thème. Engins mécaniques, collisions, désastres, corps meurtris et modifiés sont autant de chocs visuels qui dialoguent dans un accrochage plutôt provocateur. Dans une société déshumanisée, la sexualité doit devenir mécanique. Les mannequins modifiés de Cindy Sherman (Untitled #253) sont équipés de vagins. Le Mechanical Pig hyper sexué de Paul McCarthy est presque obscène. Ces œuvres, hybrides d’organique et de technologique prennent une nouvelle dimensions face à l’explosion colorée de Piotr Uklanski, Untitled (Ivy Mike). Comme le rappelle Douglas Gordon en le gravant sur les murs de la galerie, « We are all going to die ». Damien Hirst présente, sous un aspect légiste, la cervelle éclatée d’un pilote d’avion mort dans le crash de son appareil, When Logics Die. L’espace urbain, scène où ont lieu les accidents, est aussi très présent. Les froids clichés d’une autoroute déserte la nuit, de l’artiste Dan Holdsworth, Untitled (Autopia) sont simplement beaux. La diversité des œuvres est vraiment intéressante. Les nus corsetés de Helmut Newton, Jenny, Gunilla, Jane et Jassara, résument bien l’esprit de l’ensemble, sexy mais dérangeant, fascinant mais un peu sale. Belles et fragiles, leur handicap les mécanise, les fétichise, alors qu’elles s’offrent à l’objectif du photographe. Ce corps assisté devient encore plus désirable parce qu’il tend vers l’automate. Jusqu’au 1er avril.

Gagosian is gathering his artists in his Britannia street space. It is a tribute to J.G. Ballard, who wrote the novel Crash. The exhibition tends to be an event, with a beautiful catalogue. You are welcomed by a Boeing 747 undercarriage, Honda Teen Facial, by the artist Adam McEwen. Crash tells the story of a fetishist group fascinated by car accidents. The works shown are related to this theme : engines, collisions, disasters, injured and modified bodies… working together in a provocative display. In a society ruled by machines, the body has to renew itself to have sex. It has to become mechanical. Cindy Sherman’s dummies (Untitled #253) are modified with a vagina. Paul McCarthy’s ultra-sexual Mechanical Pig is almost obscene. These works, hybrid of organic and technologic matters, take a new dimension opposite Piotr Uklanski’s large-scale colourful outburst, Untitled (Ivy Mike). And as Douglas Gordon carved into the wall of the gallery, « We are all going to die ». Damien Hirst shows, in a medical view, a pilot’s scattered brain after the crash of his aircraft, When Logics Die. The urban space, where the crashes happen, is represented as well. Dan Holdsworth’s Untitled (Autopia), stark photographs of a quiet motorway by night, is simply beautiful. Crash is about being human, body and soul, in a non human society. The diversity of the works is very interesting. Helmut Newton’s photographs are a beautiful way to sum up the show. Jenny, Gunilla, Jane and Jassara are naked, their body fastened in a medical corset. These pictures ares both sexy and weird, both fascinating and a bit dirty. Their injured body is mechanically healed, and they become an hybrid of human and machine to please the camera. The more mechanical, the more desirable. Until april 1st.

http://www.gagosian.com/exhibitions/2010-02-11_crash/

Chris Ofili @ Tate Britain

2010-02-21T23:06:00.007Z

Pour ou contre la bouse d’éléphant ? Chris Ofili est pour. Les excréments envahissent les toiles et leur servent de support. Collage, peinture, glitter, épingles, l’artiste mélange les techniques comme les références. Ses compositions riches en couleurs s’articulent autour de l’histoire de l’art, la culture afro, la religion, le sexe, ou encore des mythes contemporains. Ce mélange d’influences produit des toiles délicieusement acidulées. Du choc des couleurs et des textures émane une véritable énergie. La troisième salle consiste en The Upper Room. C’est un caisson en bois, conçu par l’architecte David Adjaye, abritant une série de treize tableaux produits entre 1999 et 2002. Chacun représente un singe tenant un calice, traité en quasi monochrome. Les singes sont tournés vers une divinité accrochée au fond de la salle. L’espace confiné, l’éclairage et la disposition des tableaux créent une ambiance presque mystique. L’architecture fonctionne vraiment en harmonie avec les œuvres exposées. Les oeuvres plus récentes, peintes depuis l’installation de Chris Ofili à Trinidad en 2005, révèlent un tournant esthétique. L’artiste n’utilise plus la bouse d’éléphant, ni de glitter, ni de collages. Il peint en grand format de voluptueux corps aux membres étirés comme avec Confession (Lady Chancelor) (2007). Il juxtapose de larges aplats de couleurs pour composer des tableaux à la sensualité évidente. L’exposition de la Tate présente une œuvre riche, en constante évolution. Jusqu’au 16 mai.

Elephant dung has pros and cons. Chris Ofili goes for it. Dungs appear on the canvas, they even support them. The artist mixes the techniques and the references. His utterly colorful paintings use glitter, collages, dungs and pins, so as to reveal various influences from religion to afro culture. By mixing colours and textures, the artist creates a very dynamic work. The third room is called The Upper Room. The architect David Adjaye has designed a wooden box to display a series of thirteen paintings produced between 1999 and 2002. Each one depicts a monkey holding a chalice, painted in a quasi monochrome style, and is facing a god-like canvas, hung on the backwall. The display, the light, and the enclosed environment create a mystical atmosphere. This Upper Room enhances admirably the paintings. The most recent works show a new turn in Chris Ofili’s art. The artist moved to Trinidad in 2005. There is no more elephant dung, either glitter, nor collages. On large scale canvas, the artist paints voluptuous figures with elongated body parts, like in Confession (Lady Chancelor) (2007). These works evoke a richly sensous spirit. Tate present a beautiful show, of a work getting more and more interesting. Until may 16th.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/chrisofili/default.shtm

Franz Ackermann : Wait @ White Cube Mason's Yard

2010-02-21T23:01:00.004Z

Franz Ackermann nous invite dans un environnement chaotique et coloré. Peinture, vidéo et installation plongent le spectateur dans l’univers de l’artiste allemand. Les tableaux richement colorés s’ouvrent sur plusieurs perspectives à la fois. La dynamique est si forte qu’il est difficile pour l’œil de se concentrer sur un point. Inspirés par l’architecture et l’imagerie publicitaire, ces tableaux évoquent les réseaux contemporains. Réseaux de communication, réseaux urbains, l’artiste tente d’établir une grille de lecture à notre société postmoderne. Son œuvre reflète les flux d’information constants se remplaçant, s’imposant les uns aux autres dans un perpétuel renouvellement. Franz Ackermann présente un monde où tout va très vite et en même temps. C’est un plaisir de s’y perdre. Jusqu'au 1er avril.

The german artist Franz Ackermann creates a chaotic and colorful environment, with painting, video and installation. The richly colorful paintings open on several different views at the same time. The dynamic of the works is very strong. Inspired by architecture and advertising, their energy is amazing. The artists reveals the activity of our contemporary networks. Communication networks, urban planning, his works reflect the postmodern world. The whole society is in a state of flux, which never stops flowing. Everything is continuously new and happens everywhere at the same time. Franz Ackermann depicts a perpetually renewed world, where it’s good to get lost. Until april 1st.

http://www.whitecube.com/exhibitions/ackermann/

Berlin: Walton Ford, Bestiarium @ Hamburger Bahnhof

2010-02-18T22:18:00.003Z

L’œuvre de l’artiste américain Walton Ford est présentée pour la première fois en Europe au Hamburger Bahnhof. Ses peintures grand format évoquent les illustrations des manuels d’histoire naturelle. L’artiste est fasciné par les travaux de l’ornithologue et dessinateur John James Audubon (1785-1851). Si les animaux de Walton Ford sont représentés dans le style colonial, la mise en scène est surréaliste. Les couleurs éclatantes et le sens du détail servent l’imaginaire de l’artiste. Dérèglements de la chaîne alimentaire, combats inattendus, comportements humains… Le bestiaire de Walton Ford n’a finalement rien d’académique. Des animaux au rendu sublime dans des attitudes merveilleusement déviantes.

For the first time in Europe, the american artist Walton Ford’s work is shown at Hamburger Bahnhof. His large scale paintings remind the illustrations of natural history books. The artist is fascinated by the ornithologist and drawer of animals John James Audubon (1785-1851). Walton Ford depicts animals in a colonial-era style, but the set is surrealist. Unruled food chain, unexpected fights, human behaviour, … Walton Ford’s Bestiarium is all but traditionnal. These beautiful creatures are behaving in an amazingly disturbing way.

Until may 24th

www.waltonford.org

Berlin : Wolfgang Tillmans @ Berghain

2010-02-18T22:11:00.004Z

Berghain est en un lieu unique. Réputé pour un son électro ultra pointu, les foules attendent des heures avant d’y pénétrer. Les physios sont très sélectifs, on ne rentre pas dans ce club comme à Londres ou Paris. C’est une question d’attitude, pas de look. Ce club installé dans une station électrique désaffectée de Berlin Est refuse les représentations. Il les interdit même. A l’intérieur du Berghain, pas de photo, sous peine d’expulsion. Pas de miroirs, même dans les toilettes. Pas moyen de se voir autrement dans le regard des autres. En refusant l’auto-représentation, le club s’impose comme une expérience. Dans cet antre où tout est permis, les clients vont aux limites d’eux-même. Facile de se perdre dans cette Babylone contemporaine. Un photographe est néanmoins le témoin de cette scène underground. Wolfgang Tillmans est la seule personne autorisée à prendre des photos à l’intérieur du Berghain. Quelques images sont exposées au Panorama Bar, au deuxième étage. Sexys, crus, parfois pornos, il offre au spectateur des clichés sans fioritures. Dans une esthétique qui me rappelle celle de Nan Goldin ou encore Hedi Slimane, Wolfgang Tillmans capture l’énergie de cette jeunesse borderline. Presque aussi direct que l’expérience du club.

Berghain is a very unique place. This club is famous for its very edgy electro music. You wait for hours before you get in, if you can get in. The doormen are very selctive. But it’s not like in London, it’s more a question of attitude than outfit. Attitude, that’s it. This club is installed in a missused power sation in East Berlin. It’s forbidden to take photographs inside Berghain. There is no mirror inside Berghain, not even in the toilets. By rejecting self-representation, the club has to be an experience. There’s no spectators either viewers, only actors. You can easily get lost in this contemporary Babylon. The photographer Wolfgang Tillmans is the only person allowed to take pictures inside the club. Some of them are displayed on the walls of the Panorama Bar, on the second floor. Raw, sexy, sometimes porn, his photographs are not made up. In a way, he reminds me Nan Goldin or Hedi Slimane. Wolfgang Tillmans captures the energy of Berlin’s underground youth. It’s almost as direct as the Berghain experience.

www.berghain.de

Berlin Berlin

2010-02-18T21:57:00.005Z

I spent a few days in Berlin, it was a blast. The architecture is amazing, and the city is very dynamic. I met lovely people. I love Berlin.

Anish Kapoor, Royal Academy

2009-11-29T23:36:00.003Z

Amazing. Anish Kapoor appears as a brillantly innovative artist. Whatever the material he uses, he works as an inventive sculptor. Instead of spreading the paint on the canvas, as the painter would do, he shapes the pigments as a sculpture. As if to Celebrate I Discovered a Mountain Blooming with Red Flowers (1981) is a beautiful example. The central piece of the exhibition is a thirty-ton mix of wax and red paint fixed on tracks, moving slowly through the doors of five galleries. Svayambh (2007) is a huge automatic sculpture. It is shaped by the doorways of the museum. At that point, the work of art becomes autonomous, and interacts itself with the concept of reality. Greyman Cries, Shaman Dies, Billowing Smoke, Beauty Evoked (2008-2009) is another self made sculpture, this one computer generated. It looks like paint squeezed out of a tube, either like worms or organic forms, it is randomly beautiful. In a different way, the artist reshapes the reflection of things around his mirror sculptures. The body of the viewer, the works around and the space of the museum are being distorted by the twisted mirrors. The serie of polished stainless steel Wave Torus was recently shown at the Lisson gallery. Anish Kapoor reinvents reality, and within his work, invites the viewer trough the looking glass. Until December 11th.

http://www.royalacademy.org.uk/exhibitions/anish-kapoor/

No Lost Love, Blue Paintings by Damien Hirst, Wallace Collection

2009-10-29T23:52:00.006Z

The Wallace Collection hosts an exbition of paintings by Damien Hirst. As announced, they are blue. The word is here taken in its both senses, as a colour and as a mood. The palette is fading from deep navy blues to creamy pastels. The recurring skullhead evokes a dark state of mind, death and despair. These still lives show a beautiful melancholy. The space is defined by geometric lines : a table, walls, it reminds me of Francis Bacon’s cage composition. But in this case, the spatiality is almost abstract. Damien Hirst’s famous dots appear sometimes, to create depth. They act like a word that the artist declines according to his subject. Untill january 24th.

http://www.wallacecollection.org/collections/exhibition/77

Miroslaw Barka, How It Is, Tate Modern

2009-10-25T23:26:00.004Z

Miroslaw Balka has installed his work in the Turbine Hall. You enter in a huge black container. You’re in the dark, with strangers, and you can hardly see anything. The artist invites the viewer in a slow motion dimension. Out of time and space, the waiting begins. Using the title of one of Samuel Beckett’s book, How It Is, the polish artist explores the same themes as the writer. Fear, wait, loneliness, are felt by the viewers during his journey on this particular stage. Drowned in this black void, you stand between the unknown, the darkness and the familiar, yourself. It’s impressive and unexpected. Until April 5th.

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/unilevermiroslawbalka/default.shtm

Glenn Brown, Gagosian

2009-10-25T22:32:00.003Z

The english artist shows paintings and sculptures at Gagosian. He has a very specific touch, layering the brushstrokes to reveal a flux in the paint. The medium is like liquefied on the panel, as a result, the figures seem to remain in constant movement. The artist tries to show what’s beyond flesh. The dematerialized figures live their own life trough these distorsions. Wooden Heart could be the sculpture of Pinocchio’s skullhead. It is made of very thick strokes of paint, which unveil the artist’s creative process : the layering of strokes creates a flow within the material. With Nausea, the artists challenges Velasquez’s Portrait of Innoncent X, and Bacon’s version as well. Glenn Brown turns the body upside down and removes the head. The figure is floating in the air, like in Christ Returns to the Womb and Song to the Siren. These melting bodies become a new kind of icons. The artist explores myths whilst testing the properties of his medium. Untill November 26th.

http://www.gagosian.com/exhibitions/2009-10-15_glenn-brown/

Anselm Kiefer, White Cube

2009-10-23T23:34:00.006+01:00

German artist Anselm Kiefer is shown at White Cube. The Hoxton Square space hosts The Fertile Crescent. These are large scale paintings inspired by a trip to India. Doomed buildings are depicted in heavy landscapes of blueish greys, dusty browns and creamy whites attacked by sand. The paint is so thick it seemed to be cast. Pieces of broken jars are tied on the canvas, the rest is scatered on the floor. They enhance the feeling of ruin and desolation. The Mason’s Yard space displays Karfunkelfee. Dipthycs and triptycs show a background of dark woods. Dense thorns are enclosed in the glass vitrines. Upper, a torn shirt, a book, or a little plane is like floating inside the frame. This serie evokes a spiritual ceremony, a mysterious pagan rite, or even witchcraft. It is both attractive and threatening. In his work, Anselm Kiefer writes a beautiful poetry of darkness, both serious and mysterious.

http://www.whitecube.com/exhibitions/kiefer/

John Baldessari, Pure Beauty, Tate Modern

2009-10-21T23:32:00.004+01:00

John Baldessari is a major conceptual artist living in Los Angeles. The show is a retrospective, including works from the 1960s to 2009. John Baldessari’s practice takes a new turn in 1970 with the Cremation Project, in which the artist burns his former works. He makes tabula rasa. The display pays tribute to the artist’s formal simplicity. Years after years, all his experiments seem to gather on his latest works, the mix of photographs and painting, the use of color, the mutiple frames. It is a very coherent whole. The exibition contrast with Pop Life, next door. John Baldessari’s practice differs from Warhol’s. The Californian artist intend to remove himself from the act of painting, by hiring a sign painter. He hides his face behind a hat for selfportraits, whereas the Newyorker spreads his signature as much as he can. In two opposite ways, both artists challenge the power of images. Tate plays contrast, and displays two radically different sides of today’s art.

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/johnbaldessari/default.shtm

Pop Life: Art In a Material World, Tate Modern

2009-10-21T00:31:00.005+01:00

Is it a fair ? An auction ? The best selling artists are gathered at Tate Modern : Andy Warhol, Jeff Koons, Damien Hirst, Maurizio Cattelan,… Their works are worth millions. But the price is not the concept. In their practice, they play with the bounds between life categories. Is the artist’s life part of his work ? What’s the difference between art and design ? These are the kind of questions asked by the works on display. If modernity was keen on separating art/high from the masses/low, postmodernity flattens them. Art becomes accessible to everyone. If you couldn’t afford Takashi Murakami’s $100,000 Flower painting at Gagosian, you can always buy the stickers in the museum gift shop. Since it becomes more approachable, art is a part of everyday life and vice versa. As the TV screen on wich is shown Macy’s Thanksgiving parade, the material world is getting thinner. The rooms are sorted by artists. We start with Andy Warhol, again and again, then the followers. Keith Haring’s Pop Shop is open, you can buy badges and tee shirts. Martin Kippenberger’s 1993 exhibition in Centre Pompidou first room is reconstitued as well, Candidature à une Retrospective. The artists explore radically different ways and materials, however, selfportraits are numerous : Gavin Tuck, Ashley Bickerton, Jeff Koons, Andrea Fraser… Regarding artist’s role in the reign of pop, selfrepresentation is always a good way to say « I create, therefore I am ». I really liked the exibition. The atmosphere is exhilarating, the works are appealing : Takeshi Murakami’s Kanye Bear is absolutely kawaï, Hirts’s use of diamonds in Memories of/ Moments with you is amazing, Pruitt & Early’s room is gold painted and speakers play their music… It gives you really good vibes. Just like Alice, follow the Rabbit (the one on the poster).

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/poplife/default.shtm

Robert Mapplethorpe, A Season In Hell, Alison Jacques Gallery

2009-10-13T23:44:00.008+01:00

Packed like sardines in a crushed tin box, an arty crowd gathered inside (and outside) the Alison Jacques gallery. This was the opening of the Mapplethorpe exhibition. Patti Smith, poet and singer, was there to pay tribute to her friend. Her performance was beautiful. A few words, poems and song, it was simple and honest, just like the artist. You can feel the love she has for Mapplethorpe in her voice. The latter’s photographs here focus on sacred and profane. The controversial artist represents himself as a demon, among crucifix, pentagones, guns, skulls or frogs. These images depict a photographer fascinated by religion and its evoking power. In the side space are displayed rare collages from 1968-69, both simple and poetic.

http://www.alisonjacquesgallery.com/robert-mapplethorpe-season-hell-opening-performance-patti-smith-october-e-45.html

Ryan McGinley, Moonmilk, Alison Jacques Gallery

2009-09-24T21:32:00.005+01:00

The photographer shot caves in North America. The set reminds me Neil Marshall’s movie The Descent (2005). But this is a much more glamourous adventure. There in no monster. No one gets injured. The models could be Orpheus and Eurydice during their trip to Hell. As antique sculpture, they’re melting into stone. Hidden, they seem to be part of the cavern. But they’re well alive. Lit in vivid colors, red, blue, pink, the bodies explode in a pop sensuality. This is an awesome descent.

http://www.alisonjacquesgallery.com/ryan-mcginley-moonmilk-e-40.html

Rodchenko and Popova, defining constructivism, Tate Modern

2009-02-22T22:39:00.008Z

Once again, a great exhibition in the Tate. This one focuses on constructivism, especially on Aleksandr Rodchenko and Liubov Popova. After the russian revolution, the constructivist movement aims to change art and society. Art would be a way to create a ideal society. These artists wanted to improve real life through art. Then art could’nt be the same. There must be a breakdown, no more figuration, neither composition. Instead, we talk about construction. How do such committed artists reach their goal ? The first rooms show paintings and graphics works. The line becomes paramount in Rodchenko ‘s works, whereas Popova paints her Space-Force Construction series. They use ruler and compass, so as to erase the artist’s sensibility. Architecture appears as an intermediary between ideal aesthetics and real life. But for both artits, this desire is only reached in the theatre field. In 1920-21, Rodchenko creates his Hanging Spatial Constructions. He liberates the sculpture from the wall as the floor. Then, with Pure Red Colour, Pure Yellow Colour, and Pure Blue Colour, he liberates the oil from the representation. The raw pigments do not depict anything but coloured material. They become objects. Finally, the Constructivists work in the advertising field. They produce lots of posters, selling politics as biscuits. Their style becomes iconic of that period (1920-1924). It is in that way they enter in everyday life. They create an aesthetic matching the political changes and the new ideals. Today, this manner is still effective and dynamic. Russian revolutionists change the society, Russian constructivists define a striking style.

Version française. Encore une fois, une superbe exposition à la Tate. Celle-ci se concentre sur le constructivisme, particulièrement sur Aleksandr Rodchenko et Liubov Popova. Après la révolution russe, le mouvement constructiviste tend à changer l’art et la société. L’art serait un moyen de créer une société idéale. Ces artistes veulent améliorer le quotidien à travers l’art. Dès lors, l’art ne peut être le même. Il doit y avoir une rupture, plus de figuration, ni de composition. A la place, on parle de construction. Comment des artistes aussi engagés atteignent-ils leur but ? Les premières salles montrent des peintures et des dessins. La ligne devient primordiale dans les œuvres de Rodchenko, tandis que Popova peint sa série Space-Force Construction. Ils utilisent la règle et le compas afin d’effacer la sensibilité de l’artiste. L’architecture apparaît comme un intermédiaire entre les idéaux esthétiques et la vie quotidienne. Mais pour les deux artistes, ce désir sera comblé seulement dans le champ théâtral. En 1920-21, Rodchenko sculpte ses Hanging Spatial Constructions. Il détache la sculpture du mur comme du sol. Ensuite, avec Pure Red Colour, Pure Yellow Colour, et Pure Blue Colour, il libère la peinture de la representation. Les pigments ne représentent rien d’autre qu’un matériau coloré. Ils deviennent des objets. Finalement, les constructivistes travaillent pour la publicité, vendant des biscuits comme de la politique. Leur style est iconique de cette période (1920-1924). C’est un moyen d’entrer dans le quotidien. Ils créent une esthétique correspondant aux changements politiques, aux nouvelles idées. Aujourd’hui, cette touche est toujours efficace et dynamique. Les révolutionnaires russes changent la société, les constructivistes russes définissent un style marquant.

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/rodchenkopopova/default.shtm

Jim Shaw, Simon Lee Gallery

2009-02-18T20:51:00.010Z

This exhibition is entitled The Whole : a study in Oist integrated movement. The project Oism is a project started in the late 1990's, in which Jim shaw recreates a fictionnal religion. The woman is in the center of this religion, inspired by new age movements. Jim Shaw’s paintings depict women faces mixed with intricate roots. It’s a kind of organic. You must go downstairs to watch the 16 min video. The first part is a dazzling abraction. Then several women start a sensual dance in a 1970s style. It is amazing.

http://www.simonleegallery.com/ex_jim_shaw_works.htm

Altermodern, Tate Britain

2009-02-16T21:36:00.006Z

The Tate Triennal shows the works of 28 artists. Nicolas Bourriaud, the curator, explains that Altermodern comes after postmodern. We live in a globalised society. Altermodern depicts a world of communication and mobility. Sunday, 2 o’clock. Two volunteers played giant accordian, thanks to Ruth Ewan. The British artist selected a playlist of political and idealistic songs to be played during the show. It is weird, but it works. Then, I was amazed by Franz Ackermann’s room. The German’s bright coloured installation is vibrant. You have to move inside of the room, between paintings and real objects, it’s kind of pleasant. Walead Beshty aimed to sculpt a transatlantic flight. The British sent glass boxes from the US to the UK via FedEx. Obviously, the cubes are damaged when they arrive in the gallery. The fractures show the journey from one country to another. They depicts space that is not on the map. The French Loris Gréaud has recored his cerebral activity on a computer, when he was thinking about a former work, Cellar Door. These brainwaves have been changed in electrical signals, which are transmited to the visitors by vibrators on the floor of the gallery. It is a kind of Sci-Fi experience, reminding that art can be really thought sometimes.

Version française. La triennale de la Tate présente les œuvres de 28 artistes. Nicolas Bourriaud, le curateur, explique comment Altermodern vient après le postmoderne. Nous vivons dans une société globalisée. Altermodern reflète un monde de communication et de mobilité. Dimanche, 14 heures. Deux volontaires jouent d’un accordéon géant, grâce à Ruth Ewan. L’artiste britannique a choisi une liste de chansons politiques et idéalistes pour être jouées pendant l’exposition. C’est bizarre, mais ça fonctionne. Ensuite, j’ai été séduit par la salle consacrée à l’Allemand Franz Ackermann. Son installation, riche en couleurs, est étonnante. Il faut se déplacer dans la pièce, entre les peintures et les objets réels, et c’est assez plaisant. Le Britannique Walead Beshty est parvenu à sculpter un vol transatlantique. I a envoyé des boîtes en verre depuis les USA vers le Royaume Uni via FedEx. Evidemment, les cubes sont endommagés en arrivant à la galerie. Les fissures montrent le voyage d’un pays à l’autre. Elles représentent un espace qui n’est pas sur la carte. Le Français Loris Gréaud a enregistré son activité cérébrale sur un ordinateur, alors qu’il pensait à une ancienne œuvre, Cellar Door. Ces ondes ont été traduites en signaux électriques, qui sont transmis aux visiteurs par des vibrateurs sur le sol de la galerie. C’est une expérience assez étrange, qui rappelle que parfois, l’art peut être vraiment réfléchi.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/altermodern/

Unveiled : new art from Middle East, Saatchi Gallery

2009-02-03T23:39:00.004Z

This exhibition shows how middle eastern artists deal with the questions of genders and politics today. The display is very coherent. It emphases the meaning of the works. Several artists focus on the role of women in society. Kader Attia sculpts them in aluminium foils. Their praying bodies appears like Ghosts. Hayv Kahraman paints the ritual sacrifice of the lamb. She puts women instead of men on her canvas, crossing the tradionnal bound between genders. Ahmad Morsheldo’s beautiful paintings put the light on the differences between men and women in everyday life. His standing figures are strong, both realistic and undefined. The gallery 10 displays unexpected views of sensuality. Ramin Haerizadeh explores the tradition of Taaziye theatre, performed exclusively by men. Hyper realistic flesh, somptuous tapestries and fabrics and sensual male bodies put the myth into the 21st century thanks to Photoshop. The result is both innovative and transgressive. Another provocation is Shirin Fakhim’s Tehran prostitute series. She sculpts grotesque bodies made of ordinary objects and items of clothes. Her characters are hilarious caricatures, vulgar muppets on high heels. Marwan Rechmaoui shows two aspect of Beirut, a map and a building. He reflects the relationship to place in a war zone, and how the troubles shaped the everyday life. Diana Al-Hadid’s architectures show a ruined civilisation. Inspired by the Tower of Babel and New York buildings, her structures come from a post-apocalptyic era. Wafa Hourani sets his city in 2067. But his futurist refugee camp doesn’t seem futuristic. Due to the war, the architecture, as the politics, stagnates.

Version française. Cette exposition montre comment les artistes du moyen orient traitent des questions de genre et de politique aujourd’hui. L’accrochage est pertinent, il renforce la portée et le propos des œuvres. Plusieurs artistes s’intéressent au rôle des femmes dans la société. Kader Attia les sculpte dans des feuilles d’aluminium. Leurs corps en prière apparaissent tels des fantômes. Hayv Kahraman représente le sacrifice rituel de l’agneau. Elle remplace les hommes par des femmes, défiant les traditionnelles barrières entre les genres. Les sublimes peintures de Ahmad Morsheldo mettent en lumière les différences entre hommes et femmes au quotidien. Ses personnages sont forts, à la fois réalistes et indéfinis. La galerie 10 affiche une sensualité inattendue. Ramin Haerizadeh explore la tradition du théâtre Taazye, joué exclusivement par des hommes. Chair hyper-réaliste, somptueux tissus et tapisseries et sensuelle virilité propulsent le mythe au 21e siècle grâce à Photoshop. Le résulat est à la fois innovant et transgressif. Toujours dans la provocation, la série Tehran prostitute de l’artiste Shirin Fakhim. Elle sculpte des corps grostesques dans objets de récupération et des morceaux de vêtement. Ses personnages sont d’amusantes caricatures, de vulgaires marionnettes en talons hauts. Marwan Rechmaoui représente deux aspects de Beirut, une carte et un immeuble. Il montre la relation à l’espace dans une zone de guerre, et comment les conflits ont défini le quotidien. Les architectures de Dian Al-Hadid reflètent d’une civilisation ruinée. Insipirées par la tour de Babel et les grattes ciels de New York, ses propositions viennent d’une ère post-apocalyptique. Wafa Hourani, lui, installe sa ville en 2067. Mais son camp de réfugiés du futur n’a rien de futuriste. A cause de la guerre, l’architecture, comme la politique, stagne.

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/unveiled/

Indian Highway, Serpentine Gallery

2009-01-24T01:09:00.010Z

Indian Highway shows how Indian artists deal with their history, both past and present. Highway means the traditionnal road and the « communication superhighway » as well. Most of the artists reflect their thoughts about politics, religion and globalisation. Lots of videos, some dealing with the bound between art and documentary. Who said it twas the last commited media left? DMV-11 2007 2008 by Dayanita Singh is a photograph depicting an absolutely contemporary indian city. The blue lighted buildings contrast with the red crossroad. It is like the road was in fire . You can feel the energy of the town. It is a beautiful picture indeed. The contrast between the detailed foreground and the flurred background reveals a long distance. Beyond the city, you see a wide country in movement.

Indian Highway montre le rapport des artistes indiens à leur histoire passée et présente. La plupart d’entre eux affichent leurs idées à propos de politique, de religion et de globalisation. Beaucoup de vidéos, certaines flirtant avec les frontières entre art et documentaire. Qui a dit que c’était le dernier média engagé? DMV-11 2007 2008 de Dayanita Singh est une photographie montrant une ville indienne absolument contemporaine. Les immeubles baignés de bleu contrastent avec le carrefour rougi, comme en feu. On peut sentir l’énergie de la ville. C’est une belle image. Le contraste entre un premier plan précis et un lointain brumeux montre une grande distance. Au-delà de la ville, l’artiste montre un pays entier en mouvement.

http://www.serpentinegallery.org/2008/06/indian_highwaydecember_2008_fe_1.html

The revolution continues: new art from China, Saatchi Gallery

2009-01-15T00:45:00.023Z

The chosen contemporary artists show several aspects of China. Painting, sculptures and installations reflects variety and radicalism in chinese art. Zhang Xiaogang’s clonal and static portraits face Feng Zhengjie’s delirious made up pop icons. In most of the works, the body is central. Melted soldier toys (Lu Wei), migrants workers hung on the ceiling (Zhang Dali), razorblade made walker (Shi Jinsong), man is everywhere. In a country with such a communist background, the human being is still looking for its own body. Wang Guangyi parodies the political pictures of this era. Obviously, Mao’s ghost is still shading over China. One room is dedicated to him, seen as a cat (Qiu Jie) or during A Holiday in Venice (Shi Xinning). The revolution continues, China is smiling, as Yue Minjun’s weirdly laughing figures.

Version française. Les artistes contemporains sélectionnés présentent une Chine aux facettes multiples. Peintures, sculptures et installations reflètent la diversité et la radicalité de la création chinoise. Les portraits clonés et stoïcs de Zhang Xiaogang regardent les icônes pops de Feng Zhengjie, délirantes et fardées. Le corps est au centre de la plupart des œuvres. Soldats en plastique fondus (Lu Wei), ouvriers immigrés suspendus au plafond (Zhang Dali), trotteur pour enfants aux bords tranchants (Shi Jinsong), l’homme est omniprésent. Dans un pays tant marqué par le communisme, l’individu cherche toujours ses contours. Wang Guangyi fait directement référence à cette période, en détournant l’imagerie politique. Evidemment, l’ombre de Mao plane encore sur le pays. Une salle est consacrée au personnage, représenté comme un chat (Qiu Jie) ou en villégiature à Venise (Shi Xinning). Mais la Chine avance, elle sourit, à l’image des déroutants hilares de Yue Minjun.

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/new_art_from-china.htm

Francis Bacon, Tate Britain

2009-01-13T23:57:00.022Z

Amazing. The display show each aspect of the work. Wildness of the human figure, body distorsions, distresness and death. The portraits of George Dyer are fascinating. You can feel the intimacy between the painter and his model. Distorted body, melted flesh. The feeling is so accurate that you can feel it in your own body. Bacon shows the human figure on its own. Man in blue’s strange gloom, caged Pope Innocent X’s terror, Christ’s melting flesh, this is your body. In a world without God, there is no heaven, the corpse rots. The artist’s hopelessness is a sublime nightmare. Bacon paints beyond the figure. His pencil goes behind the appearance. It digs the soul to show it on the canvas, both deep and mysterious. Radical in his life as in his work, this exhibition is a tribute to a real master.

Version française. Sublime. L’accrochage thématique met en relief les différents aspects de l’œuvre. L’animalité de la figure humaine, la distorsion des corps, l’angoisse et la mort. Les portraits de Georges Dyer sont poignants. On ressent la proximité et l’intimité entre le peintre et son modèle. Le corps est distordu, la chair fondue. L’impression est si vive que le spectateur sent ces mutations dans son être. C’est le corps du sujet livré à lui-même qui est sur la toile. L’inquiétante mélancolie de l’homme en bleu, la terreur du pape Innocent X emprisonné, la chair déliquescente du Christ, c’est ton corps qui est là. Dans un monde sans Dieu, pas de paradis, la chair pourrit. La désolation du peintre est un cauchemar sublime. Bacon peint au-delà de la figure. Son pinceau va derrière la chair sonder l’esprit. Il creuse l’âme pour la rendre sur la toile, abyssale et mystérieuse. Radical dans sa vie comme dans son art, cette rétrospective rend hommage à un grand peintre.

http://www.tate.org.uk/britain/exhibitions/francisbacon/